Bakat pembuatan Film luar biasa

Malam terakhir BAFTA Qualifying Aesthetica Short Film Festival menyaksikan para pembuat film dan penonton film berkumpul di ruang dansa yang indah di De Gray Rooms pada hari Minggu malam untuk merayakan empat hari terakhir pemutaran film pendek internasional dan acara-acara industri. Awalnya merupakan kekacauan petugas untuk Yorkshire Hussars dan bangunan kelas II yang terdaftar, itu adalah penutup yang pas untuk sebuah festival yang terus membuka pintu gedung-gedung paling ikonik dan indah di York dan mengundang pengunjung untuk menjelajahi harta karun kota yang tersembunyi sambil memanjakan diri di beberapa pembuatan film pendek terbaik di dunia.

Itu adalah malam yang fantastis dan emosi berlari tinggi karena film-film top di setiap genre diakui dengan penghargaan. Sutradara nominasi BAFTA Michael Pearce membawa pulang hadiah untuk Thriller Terbaik dengan film sensasionalnya, Keeping Up with the Joneses yang dibintangi Maxine Peake (Silk, Shameless) dan Adeel Akhtar (Empat Singa, Sang Diktator) sementara Alan Holly memenangkan Animasi Terbaik untuk kecantikannya yang cantik film yang digambar tangan, Coda. Film Holly juga dianugerahi Festival Winner, dipilih karena komposisinya yang canggih yang menggabungkan animasi cairan dan skor yang dicapai untuk menciptakan karya yang menyentuh pada pemahaman kolektif tentang keberadaan dan keduanya penuh harapan dan penuh harap. The Wolf, the Ship, dan Little Green Bag yang berkarakter oleh Kathryn MacCorgarry Grey mencuri hati para penonton untuk memenangkan People’s Choice Award dan York Youth Vote, sebuah inisiatif baru bekerja sama dengan Film Hub North, pergi ke Phil Drinkwater dan Tim Woodall untuk resonansi dan simpatik mereka Cara Menghilang Sepenuhnya (Inggris Kreatif).

Dua helai baru untuk festival tahun ini – periklanan dan mode – menarik sejumlah entri berkualitas tinggi yang mengejutkan dan kompetisi tersebut sangat sengit dengan film-film dari merek-merek terkenal seperti Vivienne Westwood, Swarovski, Louis Vuitton, Trager Delaney, River Island dan Topshop. Alex Turvey menerima hadiah Fashion Terbaik untuk pengamatannya pada model kolektif Justanorm dengan desain oleh Joseph Turvey untuk River Island yang diproduksi oleh White Lodge, sementara Ben Marshall membawa pulang penghargaan Periklanan Terbaik untuk Proyek Direksi, sebuah eksplorasi fotografi dengan Jigsaw. Pemenang Best Experimental adalah Léthé, undangan oleh sutradara Harald Hutter untuk tersesat dan memulai dengan protagonis gelandangan untuk melupakan diri sendiri.

Film Best Artists ’dianugerahkan kepada Danilo Godoy atas karyanya yang menarik Forgotten Memories dari Akhir Dunia yang menginterogasi struktur naratif dan Robert Hackett memenangkan Video Musik Terbaik untuk lagu Night Mail oleh Public Service Broadcasting. Dengan pemandangannya yang menakjubkan dan pesona yang memukau, Herd di Islandia mengambil penghargaan untuk Film Dokumenter Terbaik, sementara Eine Gute Geschichte (A Good Story) yang elegan oleh Martin-Christopher Bode memenangkan Drama Terbaik. The Best Comedy dianugerahi kepada Benjamin Bee karena penampilannya yang gelap di dunia bawah industri penerbitan di Girl Power.

Sebagai festival internasional terkemuka, ASFF adalah duta besar budaya film di Inggris Utara dan di seluruh Inggris. Acara Meet the Film Festivals yang baru berlangsung di lingkungan Middletons Hotel yang memukau dan mempertemukan para programmer dari Raindance, Sheffield Doc / Fest, Festival Film Pendek London, Castellinaria, Festival Film Pendek & Asia, dan lebih mengarah pada kolaborasi baru dan menyediakan kesempatan bagi para pembuat film untuk bertemu dengan mereka di belakang beberapa festival film yang paling terkenal.

Dengan program-program khusus dari Arsip Film Yorkshire, Creative England iShorts, Jepang, Lebanon dan Irak tahun ini festival ini menyatukan berbagai budaya dan pengalaman sambil mempromosikan dan merayakan seni pembuatan film pendek. Edisi keempat ASFF menyambut sejumlah besar pengunjung ke kota ini termasuk beragam profesional industri, keluarga muda, penggemar film, pelajar, turis, dan banyak lagi, beberapa bepergian dari tempat yang jauh seperti Brasil, AS, Australia, dan Jepang.

Seni sebagai kehidupan

Merefleksikan karirnya pada tahun 1956, arsitek Walter Gropius menulis: “Dalam perjalanan hidup saya, saya menjadi semakin yakin bahwa praktik arsitek yang biasa untuk meringankan pola terputus-putus yang mendominasi di sana-sini oleh bangunan yang indah sangat tidak memadai dan bahwa sebaliknya, kita harus menemukan seperangkat nilai baru, yang didasarkan pada faktor-faktor pendukung seperti yang akan menghasilkan ekspresi pemikiran dan perasaan terpadu untuk zaman kita … persatuan seperti itu dapat dicapai untuk menjadi pola yang terlihat bagi demokrasi sejati. ” Visi utopis diungkapkan paling konkret selama tahun-tahun setelah Perang Dunia I 1919-1933, ketika ia merancang sekolah seni paling berpengaruh di dunia, Bauhaus. Setelah kehancuran perang, Jerman sangat perlu menilai kembali posisinya di Eropa. Gropius telah berperang dalam perang dan, alih-alih menyerah pada kekecewaan, ia menggunakan pengalaman itu untuk memicu hasratnya untuk menciptakan dunia yang lebih baik dan lebih adil. Melalui semangat idealisnya, Bauhaus menjadi buah bibir bagi modernisme minimalis dan estetika intelektual; dari Apple ke IKEA, kecenderungan gaya sekolah masih bergema dan membentuk dunia kontemporer kita.

Bauhaus: Seni sebagai Kehidupan di Barbican di London adalah pameran Bauhaus terbesar dalam 40 tahun dan menampilkan 400 karya dalam berbagai disiplin ilmu seperti arsitektur, tekstil, fotografi, patung, furnitur, lukisan, keramik, desain produk, teater, film dan desain grafis. Kate Bush, Kepala Galeri Seni, Barbican Center, menyatakan: “Bauhaus adalah kekuatan yang tak terhindarkan dalam pengembangan budaya visual modern, yang dampaknya dirasakan di seluruh dunia; itu didorong oleh idealisme dan komitmen terhadap kreativitas dan eksperimen yang tetap lebih relevan saat ini. “Karya seni ini akan dilihat dalam konteks perkembangan sekolah dari awal Ekspresionis ke penutupan paksa 14 tahun kemudian. Mempresentasikan tinjauan warisan sekolah, co-kurator Lydia Yee percaya bahwa waktu pertimbangan ulang mendalam ini sangat relevan: “Di era internet, kami berpendapat bahwa Open Source dan kolaborasi semacam ini adalah tipikal dari periode tersebut, tetapi ini semangat dan metode kerja sama telah ada sejak lama. ”Serangkaian produk budaya di seluruh spektrum seni dan desain telah dikumpulkan termasuk karya-karya teladan dari para Master Bauhaus seperti Josef dan Anni Albers, Marianne Brandt, Marcel Breuer, Walter Gropius, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Hannes Meyer, László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer dan Ludwig Mies van der Rohe.

Walter Gropius mendirikan Bauhaus sebagai bagian dari penggabungan dua sekolah seni yang ada – Sekolah Seni dan Kerajinan Grand Ducal dan Akademi Seni Rupa Weimar. Nama, secara harfiah “rumah konstruksi”, berdiri untuk School of Building dan mencerminkan latar belakang arsitektur Gropius. Setelah merancang beberapa bangunan modernis yang dipengaruhi oleh arsitek Amerika Utara, Gropius memastikan bahwa etos sekolah mengabadikan konsep bahwa bentuk harus selalu mengikuti fungsi. Memang Gropius mengklaim bahwa “Alkitab” -nya untuk membentuk Bauhaus adalah portofolio gambar Frank Lloyd Wright yang diterbitkan di Jerman pada tahun 1910, berjudul Wasmuth Portfolio. Dia juga percaya bahwa totalitas praktik artistik harus dimanfaatkan dalam upaya penggabungan fungsionalitas dengan estetika. Rekonsiliasi seni rupa ini dengan seni terapan tetap menjadi salah satu perhatian utama sekolah selama keberadaannya. Penekanan Gropius pada kerja kolaboratif sama praktisnya dengan filosofis. Karena tidak memiliki keterampilan menggambar, ia mengandalkan keahlian orang lain untuk mewujudkan desainnya sendiri, misalnya rendering Isometrik Bayer dari kantor Walter Gropius di Bauhaus, Weimar (1923). Yee menegaskan bahwa Gropius sangat cocok untuk peran ini karena “dia mengembangkan kepekaan dan keterampilannya dalam membina hubungan semacam ini, dan dia sangat spesifik tentang tipe guru yang dia inginkan di Bauhaus; dia tidak mempekerjakan siapa pun yang menurutnya akan memecah belah komunitas. ”

Bentang alam Enigmatic

Gambar-gambar sinematik dari fotografer Amerika Todd Hido (lahir 1968) sama-sama menarik dan melankolis, menggambarkan kenangan lingkungan pinggiran kota yang lenyap dari masa kecil tahun 1970-an – tempat-tempat yang tidak lagi ada dalam kenyataan.

Dari pemandangan buram yang dilihat sekilas melalui jendela mobil hingga rumah-rumah yang terlihat dari luar dan karakter perempuan misterius di kamar-kamar motel, gambar-gambar itu tampak seperti gambar-gambar aneh dari sebuah film yang dibayangkan, menyiratkan sebuah cerita yang tidak terlihat. Setiap komposisi menciptakan perasaan firasat, melibatkan imajinasi pemirsa untuk mengisi konteks naratif. Serbuan aneh ini ke dalam kehidupan sehari-hari menunjukkan hubungan kekerabatan dengan penjelajahan film surealis David Lynch; Hido memang memasukkan Alfred Hitchcock di antara pengaruhnya.

Jauh dari kisah-kisah tersembunyi kehidupan kota dan pinggiran kota, lanskap yang ditampilkan menangkap dunia tempat-tempat liminal yang tidak berpenghuni, lagi-lagi dengan mata sinematografi yang sama, ketika Hido melewati bagian selatan dan barat AS, sering kali menembus hujan dan debu di kaca depan mobil sebagai bagian dari komposisi, untuk membuat gambar jalan, bidang kosong, infrastruktur tiang telepon dan kereta api yang menjangkau jarak kosong tanpa adanya manusia.

Judul presentasi MBAL, Di Vicinity of Narrative, memahami kualitas-kualitas berbeda ini. Melihat ke belakang sepanjang karier artis, yang mencakup katalog produktif lebih dari selusin buku foto, pameran menyatukan beberapa seri, bersama dengan pemeriksaan metode kerja Hido dan, dengan melakukan itu, menawarkan narasi penghubung parsial sendiri. Galeri ini menyoroti jalur-jalur melalui badan kerja substansial ini, yang telah ditampilkan dalam majalah The New York Times, Artforum dan Vanity Fair, dan koleksi permanen Getty, Museum Seni Whitney, Museum Seni Guggenheim, Museum New York dan Smithsonian, di antara banyak lainnya.

Saat ini berbasis di Bay Area San Francisco, Hido terakhir menyelesaikan monograf pada 2013; Kutipan dari Silver Meadows lebih lanjut mengembangkan pendekatan tanda tangan menggabungkan potret, lanskap, foto-foto vintage dan dokumen untuk menyarankan narasi tersembunyi, yang hanya dilirik secara samar-samar. Secara kebetulan, Silver Meadows adalah nama jalan utama distrik tempat seniman itu tumbuh di Ohio, tempat yang sekarang lenyap dan digantikan oleh mal-mal.

Presentasi karya Hido di MBAL berjalan berdampingan dengan tiga tokoh penting lainnya dalam atau terlibat dengan fotografi kontemporer, menciptakan dialog berlapis-lapis. Mereka adalah fotografer jalanan legendaris New York Garry Winogrand, yang diwakili oleh serangkaian potret merayakan kebangkitan feminisme pada 1970-an, Thibault Brunet Prancis, yang menghadirkan dunia yang hampir virtual dalam foto-fotonya, meskipun ada yang jelas berlabuh dalam kenyataan, dan Guy Oberson, dari Swiss, yang gambarnya terinspirasi oleh dan memeriksa kembali foto-foto Diane Arbus dan Robert Mapplethorpe.

Neil Tait

Hanmi Gallery baru saja dibuka di 30 Maple Street dengan pertunjukan 11 seniman yang semuanya mengeksplorasi ide ketidakpastian. Galeri itu sendiri benar-benar dilucuti kembali, telah dikembalikan ke keadaan sebelum dipugar. Banyak galeri di sekitar London mencoba menangkap nuansa dinding bata mentah yang terbuka, tetapi banyak yang masih terlihat terlalu ‘dirancang’. Hanmi benar-benar berhasil dalam hal ini, dengan plester yang terkelupas dari dinding, papan lantai reyot, dan bau pekerjaan bangunan masih menggantung di udara. Alih-alih bertindak sebagai ruang yang dirancang secara ketat di mana karya ditempatkan, dinding dan bau galeri menyatu dengan karya sebagai semacam ruang hidup. Di mana norma di galeri adalah untuk melihat karya yang sepenuhnya selesai di dinding bercat putih, ini memunculkan pertanyaan dalam dirinya sendiri, kurasi dan tampilan, dan titik di mana pekerjaan itu sendiri selesai. Karya-karya dalam kaitannya dengan ide ini digantung pada jarak dan penempatan acak satu sama lain, hampir seolah-olah ditempatkan dalam sebuah pertunjukan yang akan didirikan.

Bekerja bersama ini, karya-karya yang ditampilkan kasar di sekitar tepi, dengan kualitas tekstur yang kuat membuat pertunjukan konglomerasi karya yang semuanya muncul sebagai satu. Keterbukaan dan kerapuhan juga dinyatakan sebagai ikatan antara semua karya yang dipamerkan, dan ini bisa dilihat di tangan mereka pada konstruksi (banyak karya menunjukkan tanda-tanda konstruksi manusia dan materialitas kasar) serta kebebasan berpikir saat ini sepanjang. Banyak fungsi sebagai karya yang sedang berjalan, memberi petunjuk pada pekerjaan mental artis saat mereka pergi daripada produk akhir dipikirkan secara ketat. Ini membantu untuk tidak mencari makna yang ditetapkan dalam setiap karya, alih-alih membiarkan mereka bertindak sebagai pemicu untuk berpikir, ‘ketidakpastian’ yang dinyatakan sebagai elemen yang memungkinkan penonton kehilangan arah dengan setiap bagian dan sampai pada kesimpulan mereka sendiri. Mayoritas seniman yang dipamerkan juga berada di awal karir mereka, pada saat ketidakpastian dan memang bergeser ide. Pekerjaan Lucy Whitford terutama sesuai dengan ruang, bekerja dengan bahan untuk melihat bagaimana mereka berfungsi dalam keadaan mentah mereka. Membawa pandangan berseni ke materi sehari-hari memungkinkan pemirsa untuk mempertimbangkan dunia dan materi di sekitar mereka dalam cahaya baru. Juga di acara itu adalah pertimbangan Katriona Beales tentang pos sinematik dan karya William Lawlor tentang kepalsuan representasi dunia alami.

Ini adalah proyek yang berani untuk diambil galeri, jauh dari konvensi penggunaan ruang dan pilihan tampilan galeri yang biasa. Tampaknya hanya memalukan bahwa ruang akan segera diperbarui dan kembali ke ruang yang dirancang lebih ketat. Di sini, berharap tangga berderit akan tetap menjadi bagian dari ruang terakhir.

Bertukar gagasan

Era digital telah mengubah dunia seni, di satu sisi mendemokrasikan produksi, manipulasi dan distribusi gambar, tetapi di sisi lain menimbulkan ketakutan dan pertanyaan baru – paling tidak bagaimana kita mengidentifikasi, menghargai, dan mengkurasi seni ketika semua orang memiliki kapasitas untuk menjadi “artis”?

Pertanyaan-pertanyaan seperti ini membentuk fokus dari Future Now Symposium 2017, yang akan mengambil pandangan luas tentang kondisi ekosistem seni saat ini dan tantangan sosial dan ekonomi yang dihadapinya, menyatukan organisasi dan praktisi di garis depan era baru ini. Ini menawarkan tempat untuk pertukaran ide, termasuk peluang dukungan dan jaringan, sementara juga menunjukkan komitmen Aesthetica untuk mempromosikan seniman yang baru muncul, melalui ulasan portofolio dengan tokoh-tokoh berpengaruh dari komunitas seni yang lebih luas. Di atas segalanya, simposium menunjukkan bahwa seni kontemporer adalah mekanisme yang memungkinkan kita untuk menanggapi pemahaman baru tentang kehidupan.

Seperti biasa, simposium akan dihadiri oleh individu dan organisasi dari seluruh dunia seni Inggris. Tahun ini yang diwakili termasuk Artangel, Dewan Seni Inggris, Festival Seni Edinburgh, Sekolah Seni Glasgow, Hiscox, Sekolah Tinggi Seni Leeds, Sekolah Tinggi Komunikasi London, Foto Magnum, Hadiah Seni Max Mara untuk Wanita, Tate Liverpool, Universitas York, Wellcome Trust, Galeri Whitechapel, Organisasi Fotografi Dunia dan Koleksi Zabludowicz.

Program luas sesi yang ditawarkan akan mencakup Kurasi untuk Pemirsa Abad 21 (Kamis 25 Mei, 10: 15-11: 30) membahas status museum modern di zaman pemotongan dana, dan ketegangan antara permintaan komersial untuk pameran blockbuster dengan daya tarik massa dan kebutuhan vital untuk mendukung bakat baru untuk memastikan masa depan seni. Sementara itu, dalam Inovasi dalam Pembuatan: Teknologi, Desain, dan Digital (Kamis 25 Mei, 10: 15-11: 30), para ahli membahas sentuhan terbaru dalam hubungan panjang seni dengan teknologi – bahwa sejumlah praktisi yang tumbuh pesat sekarang bekerja sepenuhnya dengan kode dan realitas digital daripada benda seni dalam arti fisik apa pun.

Di antara sesi pada hari Jumat 26 Mei, masa depan jurnalisme seni datang dalam diskusi (12:30 – 13:45). Penerbitan tradisional telah dibiarkan dalam posisi genting di era smartphone dan harapan yang berkembang bahwa media harus dikonsumsi secara gratis. Namun publikasi spesialis terus berkembang dalam lanskap yang dipenuhi data ini. Panel kami membahas keseimbangan antara editorial dan advertorial. Pengunjung tahun ini juga akan memiliki kesempatan untuk menghadiri pandangan pribadi artis terpilih untuk Aesthetica Art Prize 2017 di mana pemenang tahun ini akan diumumkan.