Aplikasi Virtual

Tablet seperti iPad mengubah cara musik dibuat – tidak hanya bagaimana itu direkam, tetapi bagaimana itu dirilis dan dipasarkan juga. Kami melihat game-changer asli.

Pada April 2011, duo punk asal Amerika bernama The Ultramods merilis album. Itu disebut Underwear Party, dan itu adalah sepotong musik rock yang menyenangkan – menyenangkan, jika biasa-biasa saja. Tapi sementara lagu-lagu itu sendiri tidak terlalu menginspirasi, ada alasan lain untuk mencatat. Underwear Party adalah salah satu album pertama yang direkam dan diproduksi sepenuhnya pada tablet – dalam hal ini, iPad milik Apple.

Penyanyi utama kelompok itu, Bunny Ultramod, sangat antusias dengan perangkat ini: “Ini sepenuhnya buatan, sepenuhnya buatan manusia,” katanya di situs web mereka. “Namun itu menghasilkan reproduksi instrumen aktual yang kredibel. Ini adalah alat dekaden yang sempurna. ”Walaupun musik mereka mungkin tidak mutakhir, metode mereka tentu saja. Ultramod adalah ujung tajam dari sebuah gerakan yang dengan cepat mengubah cara musik dibuat. Melalui aksesibilitas mereka, komputer tablet membuka kreasi musik untuk generasi seniman yang sama sekali baru.

IPad Apple-lah yang mendominasi gerakan ini. Tablet lain seperti Blackberry Playbook dan Samsung Galaxy adalah mesin yang mampu, tetapi mereka tidak bisa menyamai Apple untuk kemudahan penggunaan dan aplikasi yang tersedia (lebih dari 400.000). Mereka juga tidak menjual sebanyak – pada bulan yang sama ketika The Ultramods merilis album mereka, Apple menyesalkan bahwa mereka “hanya” mengirim 4,69 juta unit tablet mereka. Jadi, suka atau tidak, ini adalah percakapan tentang iPad.

Kami akan kembali ke alasan perusahaan lain belum dapat membuat kemajuan dalam waktu singkat. Untuk saat ini, mari lompat cepat ke Los Angeles, tempat seorang pria bernama Hayden Bursk berada dalam aliran penuh. Dia tepat di pusat ledakan aplikasi musik iPad: sebagai direktur aplikasi seluler di Sonoma Wire Works, dia bertanggung jawab untuk mengawasi pengembangan perangkat lunak merek dagang mereka, StudioTrack. Aplikasi ini adalah studio rekaman berfitur lengkap, memungkinkan Anda untuk merekam, mengedit, mencampur dan memproses audio. Ketika datang ke pertanyaan mengapa musisi telah beradaptasi begitu mudah ke iPad, dan tablet pada umumnya, Bursk memiliki jawaban yang sangat mudah: hampir tidak pernah dimatikan.

“Ketika Anda siap untuk pergi, itu aktif,” katanya. “Ringan, mudah dibawa. Saya pikir beberapa hal yang membuatnya sangat menarik untuk internet dan email telah terbawa ke sisi kreatifnya. Kedipan atau percikan kreativitas membuat sesuatu berlalu dengan cepat. Jika Anda dapat menangkapnya, jika perangkat lunak dapat memuat dengan cepat, mudah untuk pergi, hanya di sana, itu benar-benar menarik. ”

Alex Lelievre sependapat. Pengembang juga berbasis di Los Angeles (kami tidak yakin mengapa begitu banyak pengembang aplikasi musik berlokasi di California; mungkin dekat dengan markas Cupertino Apple, mungkin) dan merupakan arsitek dari perangkat lunak musik iPad lainnya, ProRemote, dirilis untuk baik iPhone dan iPad oleh perusahaan Far Out Labs-nya. Kata Lelievre: “Bagi saya, hasil tangkapan sebenarnya adalah di komputer, Anda memerlukan mouse. Itu cobaan satu jari. Apa yang membuat perangkat lunak kami benar-benar hebat adalah Anda dapat menggunakan semua sepuluh jari. Anda tidak dapat melakukannya dengan mouse. Itulah perbedaan besar, karena menggunakan semua jari Anda adalah apa yang cenderung dilakukan musisi sepanjang waktu. ”

Dia ada benarnya di sana. ProRemote pada dasarnya mengubah iPad Anda menjadi meja pencampur remote control, yang menghubungkan dengan PC atau Mac Anda dan memungkinkan Anda menaikkan dan menurunkan fader dari seberang ruangan. Ini adalah perangkat lunak yang lebih teknis, tenang dari pada StudioTrack yang cerah dan penuh, tetapi itu masih sangat berguna – dan itu menggambarkan dengan jelas salah satu alasan utama mengapa tablet menarik bagi para musisi.

Arsitekstur sadar

Dawoud Bey (lahir 1953) adalah seorang fotografer dan pendidik Amerika yang terkenal dengan potret jalanan yang menghubungkan individu tersebut dengan komunitas yang lebih besar – yang menawarkan jalinan penting antara kondisi manusia dan tetangganya.

Dalam The Photography Workshop Series, Aperture berkolaborasi dengan seniman terkenal untuk menyaring pendekatan, pengajaran, dan wawasan kreatif mereka. Bey adalah yang berikutnya dalam koleksi publikasi ini, membahas berbagai sudut pandang etika, pribadi dan konseptual untuk menciptakan potret. Dia menyatakan: “Gagasan saya sebagian besar berpusat pada subjek manusia; Saya tertarik untuk memvisualisasikan komunitas manusia dalam berbagai konteks. Gambar orang-orang di depan kamera – yang menggambarkan semua yang telah saya lakukan selama 40 tahun, setiap gambar. ”

Publikasi ini membawa pembaca pada perjalanan visual dan informasi yang sangat menarik melalui pengajaran dan renungan Bey tentang tanggung jawab artis sebagai seorang dokumenter – “bekerja dengan permukaan” untuk membangkitkan rasa identitas yang kredibel dalam individu yang diwakili. Mendaftarkan sejumlah pengaruh utama – Richard Avedon dan Irving Penn untuk menyebutkan hanya dua – ada rasa kagum sejati pada komitmen seumur hidup dan petualangan untuk fotografi.

Ada segudang gambar seminal dan afektif untuk dibaca – menarik kembali ke tahun 1970-an dan 1980-an di Harlem, Washington DC dan New York. Anak-anak sekolah berkumpul di sudut jalan; seorang wanita di lorong menatap langsung ke kamera; pasangan di halte bersandar, nyaman, satu sama lain. Ada kontras, emosi, dan sensitivitas yang bisa dilihat di setiap belokan halaman.

Selain itu, seperti semua buku lain dalam seri Aperture, teks tersebut diperkenalkan oleh salah satu siswa Bey – Brian Ulrich – yang memberikan kesaksian positif dan optimis tentang mekanisme seni yang lebih luas. Barangkali pada saat-saat pendampingan inilah buku ini bersinar lebih terang dengan api kemungkinan, imajinasi, dan generasi gagasan. “Dawoud Bey ramah dan murah hati; ia memiliki tujuan dalam membentuk komunitas dukungan dan persahabatan antara mereka yang tertarik untuk membuat dan berbicara dengan budaya kita, dalam mengubah dan memengaruhi dunia dengan gerakan kecil dan agung. Ini melanjutkan dari karyanya, yang terus mengkalibrasi ulang pemahaman kita tentang dunia dan menunjukkan potensi dalam diri kita semua. ”

Karya Bey ditampilkan dalam banyak koleksi besar termasuk Institut Seni Chicago; Galeri Seni Nasional, Washgington, DC; Museum Seni Modern San Francisco; Museum Seni Metropolitan; dan Museum Seni Amerika Whitney, New York.

Artis mengambil Film mainstream

Terlepas dari jumlah penonton yang jauh lebih kecil daripada film biasa, film-film artis jauh lebih inovatif dan kreatif secara bebas daripada apa pun yang umumnya ditonton di bioskop, membangkitkan berbagai respons dari antipati hingga kesenangan. Untuk setiap upaya amatir yang kasar terhadap pernyataan avant-garde, film yang melibatkan, menggerakkan, dan bahkan seniman yang indah secara bertahap menjadi lebih biasa. Tolok ukur perkembangan ini datang delapan tahun lalu dengan pameran film Sam Taylor-Wood di Hayward Gallery, London; tidak peduli seberapa tidak mengesankan konten karyanya pada layar mungkin, sulit untuk tidak mengagumi standar produksinya, yang meyakinkan tentang keadaan umum pembuatan film seniman.

Film terbarunya tentang John Lennon, Nowhere Boy, menandai kepindahannya dari galeri ke bioskop, dan tidak diragukan lagi mendapat manfaat besar dari narasi yang jelas. Pembuat film-artis terkenal lainnya adalah Steve McQueen, yang karyanya yang dinamis memenangkannya Turner Prize pada tahun 1999. Dia terkenal membuat Hunger (2008), filmnya yang sangat provokatif tentang Bobby Sands.

Taylor-Wood dan McQueen mungkin adalah dua seniman Inggris paling terkenal baru-baru ini yang dikenal karena karya film mereka untuk menyeberang perbedaan besar ke dalam sinema arus utama, yaitu Holy Grail dari pencapaian budaya. Seperti bintang-bintang pop yang mendambakan keabadian seluloid, tampaknya sinema terus menarik kreatif, para kreatif yang sukses, berjuang untuk proyek kesombongan tertinggi. Tentu saja, Kutlug Ataman melakukan yang sebaliknya dan beralih dari membuat fitur film ke film artis, sehingga rute ini tidak selalu terlihat seperti perjalanan tertentu. Dan mengingat banyaknya jumlah film seniman, dari hal-hal eksperimental yang berbiaya rendah hingga keindahan sempurna dari Matthew Barney’s Cremastereries, ada banyak seniman yang bekerja di sana yang menghasilkan banyak karya yang mungkin diperuntukkan untuk pertunjukan galeri singkat sebelum menghilang. ke terlupakan budaya, dengan crossover sukses yang disebutkan di atas membuktikan pengecualian yang sangat langka untuk aturan umum. Sama seperti dua industri terbesar di Hollywood – bioskop dan porno – jurang antara film seniman dan bioskop populer tampaknya cukup luas, dan sering diasumsikan bahwa keduanya tidak akan pernah bertemu di atas landasan bersama.

Proyek The Artists ‘Cinema adalah kolaborasi antara LUX dan Independent Cinema Office; proyek ini telah menugaskan film artis baru yang akan diputar di bioskop bersama fitur utama. Pemirsa Inggris akan melihat seri terbaru mereka musim semi ini, setelah pemutaran pratinjau di Tate Modern pada 16 April. Ini mengikuti keberhasilan kolaborasi mereka sebelumnya pada tahun 2006 ketika film-film seniman yang ditugaskan serupa ditampilkan di tempat-tempat tertentu sebelum tarif populer seperti Borat, Casino Royale dan Pan’s Labyrinth, mencapai pemirsa 100.000. Sementara sosok seperti itu akan menurunkan moral industri film arus utama, ia membuka kemungkinan penonton yang sejauh ini tidak terbayangkan untuk film seniman.

Anehnya, ini mungkin bukan novel dan gerakan radikal seperti pada awalnya muncul. Catharine Des Forges, Direktur Independent Cinema Office, menjelaskan: “Sekitar 15-20 tahun yang lalu, film-film artis ditampilkan di bioskop, dan disebut film ‘eksperimental’ – mereka adalah bagian reguler dari bioskop independen, tetapi sekarang bukan kasus. Pada tahun-tahun berikutnya, pembuat film seniman telah menjadi sangat baik dalam menjangkau pemirsa baru melalui konteks seni visual atau galeri yang lebih tradisional, dan karena perubahan teknologi, kita sekarang dapat dengan mudah membuat pemirsa bioskop untuk mencoba dan terlibat dengan karya seniman. Secara tradisional, jika Anda menunjukkan film artis, mereka semua akan berada di program yang sama, dan dipasarkan ke ‘penonton artis’ dengan orang yang sama selalu datang untuk menonton mereka – itu akan sangat sulit untuk ditampilkan ke grup lain, dan apa yang kita sekarang yang ingin dilakukan adalah semacam upaya ‘gerilya’ untuk membajak audiens baru dari arus utama dan menunjukkan kepada mereka sesuatu yang berbeda. ”

Penonton yang pergi untuk melihat Borat selama musim Artists Cinema terakhir dihadapkan dengan Phil Collins ‘He Who Laughs Last Laughs Longest (2006), film yang sangat pendek tentang kompetisi tertawa, sebagai fitur pembuka. Meskipun sama sekali berbeda dengan Borat, itu secara tak terduga dan sangat menarik, membuat seluruh bioskop tertawa dan dengan demikian sangat siap dan siap untuk absurditas Sasha Baron Cohen. Dengan caranya sendiri, pasangan subversif ini membuktikan bahwa ruang antara sinema arus utama dan film seniman tidak selalu dapat diatasi.

Artistik

Pameran tunggal pertama Scarlett Hooft Graafland (lahir 1973) di Flowers Gallery, London, mengundang pemirsa ke lanskap surealis di mana beragam pilihan orang dan benda diposisikan di beberapa sudut dunia yang paling terpencil. Mulai 29 Maret, Discovery menawarkan koleksi gambar seperti mimpi yang menampilkan lebih dari satu dekade eksplorasi lingkungan dan komposisi kreatif, dari pengaturan sejauh mencapai Madagaskar, Vanuatu dan Bolivia.

Sementara pertunjukan mungkin bersifat sementara, foto-foto ini membuat pergerakan permanen dari tokoh-tokoh di topografi kuno dan tak tersentuh. Jalinan di seluruh pekerjaan adalah cerita dan kebiasaan setempat, menyoroti daya tarik Hooft Graafland dengan mitologi budaya dan daerah terpencil di bumi. Buatan ini sementara dikombinasikan dengan alam, menghasilkan konfigurasi yang fantastis. Objek yang digunakan pada dasarnya tidak aneh, namun, penggunaan warna yang dinamis, pengaturan yang berani dan penjajaran budaya mengubah yang akrab menjadi yang tidak diketahui. Menggunakan baik palet kaya pemandangan organik dan warna-warna cerah dari alat peraga, koleksi memukau mata dan menarik penonton ke dalam foto-foto yang luar biasa ini.

Discovery meneliti berbagai tema yang beragam seperti iklim yang ditangkapnya. Menyentuh kerapuhan alam, identitas dan erosi budaya tradisional, pertunjukan ini disemen dalam isu-isu global penghargaan lingkungan dan sosial. Praktisi terlibat dengan orang-orang setempat, dengan cermat membuat situasi untuk menghasilkan gambar yang ditangkap secara visual. Kesulitan yang dihadapi oleh seniman yang berbasis di Amsterdam di lokasi yang tidak ramah dan tidak ramah ini sebagian besar tersembunyi di bawah estetika minimalis.

Terlepas dari referensi Dali dan Magritte, Hooft Graafland menggunakan beragam kinerja, kerajinan patung dan fotografi, portofolio yang unik dan dinamis. Di antara pengakuan kritis yang tersebar luas, filsuf Maarten Doorman telah mengagumi fotografer untuk ini: “Dengan kamera analog dan kesabaran antropologisnya, ia merebut kembali lanskap dan peradaban singkat dari budaya visual yang acuh tak acuh.” Pernyataan ini menunjukkan integritas di jantung visi seniman, memvalidasi komitmen kepada dunia yang dia tangkap secara elegan.