Artis mengambil Film mainstream

Terlepas dari jumlah penonton yang jauh lebih kecil daripada film biasa, film-film artis jauh lebih inovatif dan kreatif secara bebas daripada apa pun yang umumnya ditonton di bioskop, membangkitkan berbagai respons dari antipati hingga kesenangan. Untuk setiap upaya amatir yang kasar terhadap pernyataan avant-garde, film yang melibatkan, menggerakkan, dan bahkan seniman yang indah secara bertahap menjadi lebih biasa. Tolok ukur perkembangan ini datang delapan tahun lalu dengan pameran film Sam Taylor-Wood di Hayward Gallery, London; tidak peduli seberapa tidak mengesankan konten karyanya pada layar mungkin, sulit untuk tidak mengagumi standar produksinya, yang meyakinkan tentang keadaan umum pembuatan film seniman.

Film terbarunya tentang John Lennon, Nowhere Boy, menandai kepindahannya dari galeri ke bioskop, dan tidak diragukan lagi mendapat manfaat besar dari narasi yang jelas. Pembuat film-artis terkenal lainnya adalah Steve McQueen, yang karyanya yang dinamis memenangkannya Turner Prize pada tahun 1999. Dia terkenal membuat Hunger (2008), filmnya yang sangat provokatif tentang Bobby Sands.

Taylor-Wood dan McQueen mungkin adalah dua seniman Inggris paling terkenal baru-baru ini yang dikenal karena karya film mereka untuk menyeberang perbedaan besar ke dalam sinema arus utama, yaitu Holy Grail dari pencapaian budaya. Seperti bintang-bintang pop yang mendambakan keabadian seluloid, tampaknya sinema terus menarik kreatif, para kreatif yang sukses, berjuang untuk proyek kesombongan tertinggi. Tentu saja, Kutlug Ataman melakukan yang sebaliknya dan beralih dari membuat fitur film ke film artis, sehingga rute ini tidak selalu terlihat seperti perjalanan tertentu. Dan mengingat banyaknya jumlah film seniman, dari hal-hal eksperimental yang berbiaya rendah hingga keindahan sempurna dari Matthew Barney’s Cremastereries, ada banyak seniman yang bekerja di sana yang menghasilkan banyak karya yang mungkin diperuntukkan untuk pertunjukan galeri singkat sebelum menghilang. ke terlupakan budaya, dengan crossover sukses yang disebutkan di atas membuktikan pengecualian yang sangat langka untuk aturan umum. Sama seperti dua industri terbesar di Hollywood – bioskop dan porno – jurang antara film seniman dan bioskop populer tampaknya cukup luas, dan sering diasumsikan bahwa keduanya tidak akan pernah bertemu di atas landasan bersama.

Proyek The Artists ‘Cinema adalah kolaborasi antara LUX dan Independent Cinema Office; proyek ini telah menugaskan film artis baru yang akan diputar di bioskop bersama fitur utama. Pemirsa Inggris akan melihat seri terbaru mereka musim semi ini, setelah pemutaran pratinjau di Tate Modern pada 16 April. Ini mengikuti keberhasilan kolaborasi mereka sebelumnya pada tahun 2006 ketika film-film seniman yang ditugaskan serupa ditampilkan di tempat-tempat tertentu sebelum tarif populer seperti Borat, Casino Royale dan Pan’s Labyrinth, mencapai pemirsa 100.000. Sementara sosok seperti itu akan menurunkan moral industri film arus utama, ia membuka kemungkinan penonton yang sejauh ini tidak terbayangkan untuk film seniman.

Anehnya, ini mungkin bukan novel dan gerakan radikal seperti pada awalnya muncul. Catharine Des Forges, Direktur Independent Cinema Office, menjelaskan: “Sekitar 15-20 tahun yang lalu, film-film artis ditampilkan di bioskop, dan disebut film ‘eksperimental’ – mereka adalah bagian reguler dari bioskop independen, tetapi sekarang bukan kasus. Pada tahun-tahun berikutnya, pembuat film seniman telah menjadi sangat baik dalam menjangkau pemirsa baru melalui konteks seni visual atau galeri yang lebih tradisional, dan karena perubahan teknologi, kita sekarang dapat dengan mudah membuat pemirsa bioskop untuk mencoba dan terlibat dengan karya seniman. Secara tradisional, jika Anda menunjukkan film artis, mereka semua akan berada di program yang sama, dan dipasarkan ke ‘penonton artis’ dengan orang yang sama selalu datang untuk menonton mereka – itu akan sangat sulit untuk ditampilkan ke grup lain, dan apa yang kita sekarang yang ingin dilakukan adalah semacam upaya ‘gerilya’ untuk membajak audiens baru dari arus utama dan menunjukkan kepada mereka sesuatu yang berbeda. ”

Penonton yang pergi untuk melihat Borat selama musim Artists Cinema terakhir dihadapkan dengan Phil Collins ‘He Who Laughs Last Laughs Longest (2006), film yang sangat pendek tentang kompetisi tertawa, sebagai fitur pembuka. Meskipun sama sekali berbeda dengan Borat, itu secara tak terduga dan sangat menarik, membuat seluruh bioskop tertawa dan dengan demikian sangat siap dan siap untuk absurditas Sasha Baron Cohen. Dengan caranya sendiri, pasangan subversif ini membuktikan bahwa ruang antara sinema arus utama dan film seniman tidak selalu dapat diatasi.

Bentang alam Enigmatic

Gambar-gambar sinematik dari fotografer Amerika Todd Hido (lahir 1968) sama-sama menarik dan melankolis, menggambarkan kenangan lingkungan pinggiran kota yang lenyap dari masa kecil tahun 1970-an – tempat-tempat yang tidak lagi ada dalam kenyataan.

Dari pemandangan buram yang dilihat sekilas melalui jendela mobil hingga rumah-rumah yang terlihat dari luar dan karakter perempuan misterius di kamar-kamar motel, gambar-gambar itu tampak seperti gambar-gambar aneh dari sebuah film yang dibayangkan, menyiratkan sebuah cerita yang tidak terlihat. Setiap komposisi menciptakan perasaan firasat, melibatkan imajinasi pemirsa untuk mengisi konteks naratif. Serbuan aneh ini ke dalam kehidupan sehari-hari menunjukkan hubungan kekerabatan dengan penjelajahan film surealis David Lynch; Hido memang memasukkan Alfred Hitchcock di antara pengaruhnya.

Jauh dari kisah-kisah tersembunyi kehidupan kota dan pinggiran kota, lanskap yang ditampilkan menangkap dunia tempat-tempat liminal yang tidak berpenghuni, lagi-lagi dengan mata sinematografi yang sama, ketika Hido melewati bagian selatan dan barat AS, sering kali menembus hujan dan debu di kaca depan mobil sebagai bagian dari komposisi, untuk membuat gambar jalan, bidang kosong, infrastruktur tiang telepon dan kereta api yang menjangkau jarak kosong tanpa adanya manusia.

Judul presentasi MBAL, Di Vicinity of Narrative, memahami kualitas-kualitas berbeda ini. Melihat ke belakang sepanjang karier artis, yang mencakup katalog produktif lebih dari selusin buku foto, pameran menyatukan beberapa seri, bersama dengan pemeriksaan metode kerja Hido dan, dengan melakukan itu, menawarkan narasi penghubung parsial sendiri. Galeri ini menyoroti jalur-jalur melalui badan kerja substansial ini, yang telah ditampilkan dalam majalah The New York Times, Artforum dan Vanity Fair, dan koleksi permanen Getty, Museum Seni Whitney, Museum Seni Guggenheim, Museum New York dan Smithsonian, di antara banyak lainnya.

Saat ini berbasis di Bay Area San Francisco, Hido terakhir menyelesaikan monograf pada 2013; Kutipan dari Silver Meadows lebih lanjut mengembangkan pendekatan tanda tangan menggabungkan potret, lanskap, foto-foto vintage dan dokumen untuk menyarankan narasi tersembunyi, yang hanya dilirik secara samar-samar. Secara kebetulan, Silver Meadows adalah nama jalan utama distrik tempat seniman itu tumbuh di Ohio, tempat yang sekarang lenyap dan digantikan oleh mal-mal.

Presentasi karya Hido di MBAL berjalan berdampingan dengan tiga tokoh penting lainnya dalam atau terlibat dengan fotografi kontemporer, menciptakan dialog berlapis-lapis. Mereka adalah fotografer jalanan legendaris New York Garry Winogrand, yang diwakili oleh serangkaian potret merayakan kebangkitan feminisme pada 1970-an, Thibault Brunet Prancis, yang menghadirkan dunia yang hampir virtual dalam foto-fotonya, meskipun ada yang jelas berlabuh dalam kenyataan, dan Guy Oberson, dari Swiss, yang gambarnya terinspirasi oleh dan memeriksa kembali foto-foto Diane Arbus dan Robert Mapplethorpe.

Neil Tait

Hanmi Gallery baru saja dibuka di 30 Maple Street dengan pertunjukan 11 seniman yang semuanya mengeksplorasi ide ketidakpastian. Galeri itu sendiri benar-benar dilucuti kembali, telah dikembalikan ke keadaan sebelum dipugar. Banyak galeri di sekitar London mencoba menangkap nuansa dinding bata mentah yang terbuka, tetapi banyak yang masih terlihat terlalu ‘dirancang’. Hanmi benar-benar berhasil dalam hal ini, dengan plester yang terkelupas dari dinding, papan lantai reyot, dan bau pekerjaan bangunan masih menggantung di udara. Alih-alih bertindak sebagai ruang yang dirancang secara ketat di mana karya ditempatkan, dinding dan bau galeri menyatu dengan karya sebagai semacam ruang hidup. Di mana norma di galeri adalah untuk melihat karya yang sepenuhnya selesai di dinding bercat putih, ini memunculkan pertanyaan dalam dirinya sendiri, kurasi dan tampilan, dan titik di mana pekerjaan itu sendiri selesai. Karya-karya dalam kaitannya dengan ide ini digantung pada jarak dan penempatan acak satu sama lain, hampir seolah-olah ditempatkan dalam sebuah pertunjukan yang akan didirikan.

Bekerja bersama ini, karya-karya yang ditampilkan kasar di sekitar tepi, dengan kualitas tekstur yang kuat membuat pertunjukan konglomerasi karya yang semuanya muncul sebagai satu. Keterbukaan dan kerapuhan juga dinyatakan sebagai ikatan antara semua karya yang dipamerkan, dan ini bisa dilihat di tangan mereka pada konstruksi (banyak karya menunjukkan tanda-tanda konstruksi manusia dan materialitas kasar) serta kebebasan berpikir saat ini sepanjang. Banyak fungsi sebagai karya yang sedang berjalan, memberi petunjuk pada pekerjaan mental artis saat mereka pergi daripada produk akhir dipikirkan secara ketat. Ini membantu untuk tidak mencari makna yang ditetapkan dalam setiap karya, alih-alih membiarkan mereka bertindak sebagai pemicu untuk berpikir, ‘ketidakpastian’ yang dinyatakan sebagai elemen yang memungkinkan penonton kehilangan arah dengan setiap bagian dan sampai pada kesimpulan mereka sendiri. Mayoritas seniman yang dipamerkan juga berada di awal karir mereka, pada saat ketidakpastian dan memang bergeser ide. Pekerjaan Lucy Whitford terutama sesuai dengan ruang, bekerja dengan bahan untuk melihat bagaimana mereka berfungsi dalam keadaan mentah mereka. Membawa pandangan berseni ke materi sehari-hari memungkinkan pemirsa untuk mempertimbangkan dunia dan materi di sekitar mereka dalam cahaya baru. Juga di acara itu adalah pertimbangan Katriona Beales tentang pos sinematik dan karya William Lawlor tentang kepalsuan representasi dunia alami.

Ini adalah proyek yang berani untuk diambil galeri, jauh dari konvensi penggunaan ruang dan pilihan tampilan galeri yang biasa. Tampaknya hanya memalukan bahwa ruang akan segera diperbarui dan kembali ke ruang yang dirancang lebih ketat. Di sini, berharap tangga berderit akan tetap menjadi bagian dari ruang terakhir.

Dimensi Kultur

Sebuah retrospektif besar menawarkan kepada audiens suatu pemahaman yang belum pernah terjadi sebelumnya tentang seorang seniman yang visinya telah dibentuk oleh dunia kontemporer yang semakin cepat.

Pada usia enam tahun, fotografer Amerika Stephen Shore (lahir 1947) mulai mengembangkan negatif orang tuanya. Dia diberi kamera pada pukul sembilan, dan pada saat ia berusia 14 tahun, ia sedang menelepon Direktur Departemen Fotografi MoMA, Edward Steichen, mengusulkan karyanya untuk koleksi tersebut. Steichen membeli tiga gambar. Namun, itu tidak berakhir di sana: seorang biasa di Andy Warhol’s Factory pada usia 17, Shore mendokumentasikan berbagai karakter yang sering mengunjungi studio, dengan cepat menjadikan dirinya sebagai salah satu fotografer muda paling terkenal yang bekerja di New York City. Keberhasilan awal ini bisa membuatnya dalam situasi yang berbahaya, tetapi keajaiban dari praktiknya terletak pada upaya terus-menerus untuk menginterogasi cara-cara baru dalam memandang.

Keinginan untuk berkembang secara pribadi dan profesional ini memberikan dasar bagi pameran paling komprehensif hingga saat ini. Dikuratori oleh Quentin Bajac dan Kristen Gaylord, acara ini merentang mulai dari awal Americana, hingga buku cetak sesuai permintaan, dan akhirnya, hingga keterlibatan dengan platform media sosial terbaru. Itu juga bukan kebetulan bahwa Bajac adalah bagian dari pertunjukan yang unik dan menakjubkan ini, setelah ditunjuk sebagai Joel dan Anne Ehrenkranz Kepala Kurator Departemen Fotografi di Museum Seni Modern pada Januari 2013, setelah menghabiskan sembilan tahun di Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne, di mana ia mengkurasi berbagai pertunjukan fotografi modern dan kontemporer.

Bajac benar-benar percaya pada tempat gambar sebagai metode untuk pembaruan, untuk ekspansi, dan untuk regenerasi, sesuatu yang menjadi inti retrospektif raksasa ini: “Shore terus menciptakan kembali dirinya sendiri. Dia selalu tertarik dengan cara-cara baru, populer, dan demokratis dalam menghasilkan gambar. Di masa lalu ini berarti bekerja dengan snapshot, tetapi hari ini, ini termasuk terlibat dengan Instagram. Saya sangat tertarik dengan ini; dia tidak pernah mencoba untuk berpegang pada satu gaya. Mengingat semua seniman dari generasinya, inilah alasan dia adalah salah satu yang paling menarik. ”

Rasa haus akan inovasi seperti itu dapat dilihat dari keseluruhan karya-karyanya. Shore merevolusi banyak hal, tetapi untuk menggunakan fotografi warna pada saat tidak ada orang lain yang dikenalnya. Hitam dan putih adalah de rigeur pada tahun 1970-an, karena pada saat itu menggunakan warna penuh dipandang sebagai hal yang vulgar dan biasa. Shore, menikmati modernitas, mengadopsi genre baru sebagai miliknya, menggunakannya dalam semua kemampuan yang lincah. Usahanya diakui oleh akademisi pada saat itu, dengan retrospektif di Metropolitan Museum of Modern Art, New York, pada tahun 1971. Pameran ini jauh dari kesuksesan kritis, tetapi itu mengatur panggung untuk eksplorasi lebih lanjut ke media; dia memulai perjalanan lintas negara di Amerika Serikat tahun berikutnya. Foto-foto yang dihasilkan dari segelas susu bersama sepiring panekuk dan bacon yang terlihat di Grand Canyon, New Mexico, (1972) membingkai ulang pemandangan yang disajikan dengan indah melalui mata Walker Evans dan Paul Strand, seniman-seniman yang diidentifikasi oleh Shore dan terinspirasi oleh.

Penting untuk dicatat bahwa bahkan dalam karya-karya inovatif ini – yang sering dianggap abadi untuk kompleksitas nada dan komposisi mereka – menawarkan lensa ke dunia seperti dulu. Demikian pula, tanpa penjajaran antara idealisasi dan kenyataan, gambar menangkap jalan dan trotoar dengan mempertahankan sikap tidak bias, alih-alih lebih memilih subyektivitas flourneur. Wawasan ke dalam kuantum berlanjut hingga ikon Uncommon Places (1982), sebuah seri yang memandang geografi sebagai titik engsel untuk interaksi manusia. Bajac menyatakan: “Uncommon Places adalah tentang lanskap kota; representasi arsitektur mengekspresikan kekuatan-kekuatan tertentu – politik, sosial dan estetika – yang berperan dalam budaya kita. ”

Sangat mudah untuk melihat bagaimana seri ini berkembang menjadi ikonografi luas. Sebagai contoh, Aperture Foundation baru-baru ini menerbitkan ulang beberapa di antaranya di Stephen Shore: Selected Works 1973-1981, menyerukan pengantar dari berbagai tokoh budaya terkenal termasuk Wes Anderson dan David Campany. Namun, gambar dari era ini sering dipandang dengan rasa nostalgia (sebagai lawan dari inovasi), sebuah istilah yang ingin tercermin oleh kurasi. “Saya tidak ingin pameran hanya berfokus pada tahun 1970-an – meskipun akan ada bagian utama dari pertunjukan yang akan dikhususkan untuk era itu – tetapi saya juga ingin menunjukkan beberapa karya terbaru. Ada sekitar 50 buah dari Uncommon Places, tetapi itu juga tujuan saya untuk memasukkan seri yang terhubung secara tidak langsung dengannya. Sebagai contoh, saya menunjukkan beberapa karya teleskopik dari tahun 1974 dan 1975. Saya juga memperkenalkan beberapa editorial dan komisi yang dilakukan Shore pada saat yang sama yang juga berhubungan dengan pengertian bahasa Amerika. “

Dualisme Relasional

sebelum tidur di akhir cinta (deskripsi lagu pengantar tidur) adalah opera kontemporer yang dirancang oleh Sarah Hardie, yang dilakukan di Bold Tendencies di London pada 27 September. Komisi besar kedua di Inggris, opera melanjutkan minat Hardie pada dualisme relasional: diri dan yang lain, pembaca dan pendongeng, dalam dan luar, sebagaimana diwakili oleh suara manusia. Dilakukan di tempat parkir mobil bertingkat saat matahari terbenam, banyak suara yang sebentar-sebentar tenggelam oleh keributan kereta dan lalu lintas London yang dapat didengar. Ruang kota yang mencolok, ruang angkasa, yang menjadi tuan rumah bagi paduan suara opera adalah perpanjangan sempurna dari investigasi Hardie terhadap oposisi, pertemuan yang terputus.

Ketika mereka muncul di panggung, ada perbedaan yang jelas antara Hardie dan ansambelnya. Terdiri dari delapan penyanyi, mereka adalah satu entitas, berpakaian abu-abu terhadap Hardie yang hitam pekat. Hardie bertindak sebagai master boneka jarak jauh, memimpin penyanyi melalui suara dan gerakan. Saat dia berjalan mundur, mereka mengayun-ayunkan kakinya, seolah bersiap untuk bertarung. Ketika dia berjalan maju, mereka berjalan mundur, bergoyang lagi karena kebingungan. Suara Hardie keluar dalam ledakan pendek dan tajam, mendorong mereka untuk beraksi. Ketika mereka bergerak melintasi ruang, suara-suara mereka berkembang biak, pada titik-titik yang saling bertarung dan pada orang lain terakumulasi dalam kesesuaian.

Gerakan ansambel bersifat disengaja dan tidak masuk akal. Mereka terus-menerus melingkari, pergi, kembali, membentuk garis, mengelompokkan kembali dan menelan satu sama lain. Mereka berkerumun di sekitar Hardie, membentuk lingkaran intim; sebuah lengan diangkat ke udara untuk menandakan kesunyian. Tampaknya ada sesuatu yang dikomunikasikan dan mereka bubar, suara mereka tiba-tiba mendesak. Pada akar dari tindakan mereka, Hardie adalah konstanta – baik sebagai magnet dan penolak. Selalu dalam jarak dekat tetapi tidak pernah menyentuh, tarian mereka memainkan pola-pola miskomunikasi dan respons.

Dalam dikotomi Hardie, ansambel adalah “yang lain” yang bertentangan dengan dirinya, dimulai sebagai kekasih, diterjemahkan menjadi kegagalan, dan akhirnya digantikan oleh teman ‘nyaring’. Dalam formasi ini, suara menjadi representatif dari istilah “diri sendiri” – psikoanalis Jacques Lacan untuk mendefinisikan keberadaan, di dalam diri, dari “benda asing”; apa yang eksternal bagi individu tetapi dengan yang diidentifikasi. Karena itu, tubuh eksternal ini, seperti sang kekasih, berada di luar dan di dalam, bagian dari diri dan tidak bergantung padanya.

Sementara para kekasih / teman-teman mengartikulasikan pola metaforis mereka melalui suara nyanyian, kata libretto yang diucapkan direkam oleh Hardie dan saudara kembarnya, aktris Angela Hardie, berasal dari pembicara besar, yang membingkai ruang pertunjukan. Teks sebuah opera, sebuah libretto, secara tradisional dinyanyikan. Alih-alih, Hardie adalah narasi teoretis yang diucapkan, menyertai tulisan-tulisan psikoanalitik Donald W. Winnicott, Roland Barthes dan Friedrich Nietzsche. Menyesuaikan kembali teks-teks ini, dan memanfaatkan biner biologis, si kembar memperkenalkan hubungan antitesis baru: “A Storyteller” dan “A Reader.”

The “Storyteller” menceritakan kisah yang terpecah-pecah, di antaranya adalah karya bersama Barthes ‘A Lover’s Discourse dan Nietzche’s Thus Spoke Zarathustra. Teks ini menjadi kerangka kerja di mana penyanyi itu ada, ketika mereka memerankan narasi yang diciptakannya: ‘dalam kesendirian mereka yang hidup sendiri tidak berbicara terlalu keras atau menulis terlalu keras karena mereka takut gema hampa – kritik nymph, Echo . Dan semua suara terdengar berbeda dalam kesunyian. ‘Sebagai tanggapan,’ Pembaca ‘adalah penjumlahan dari beberapa suara ini: “(Artikulasi libido menghasilkan suara.) Cinta membuat kita berbicara.”

Ketika kekasih kontemporer gagal, teman itu mengambil tempat mereka. Di sini, Hardie menyamakan teman itu dengan pemahaman Barthes tentang ‘nyanyian’: ‘Teman itu mengulangi Anda – teman bicara yang sempurna memungkinkan untuk gema. Tidak ada di luar. Anda tidak akan pernah didengar oleh kekasih – dan teman itu adalah diri Anda sendiri. ‘Dalam kesempurnaan, teman itu tidak lain adalah refleksi. Berujung pada realisasi ini, ansambel Hardie menyebar, meninggalkannya sendirian dalam lagu.

 

Wacana seputar opera Hardie padat, tetapi penyampaiannya sederhana. Dia menggunakan suara itu sebagai ruang simultan untuk cinta dan pelarian delusi dari kesendirian. Seperti sebelum tidur di akhir cinta (deskripsi lagu pengantar tidur) dimainkan, pola hubungan intim, transisi dan kegagalan secara bertahap muncul. Kekasih mungkin gagal, tetapi diri itu konstan.

Estetika Berkembang

Dalam Sejarah Protes yang Tidak Lengkap, Whitney Museum, New York, mengeksplorasi koleksi dan arsipnya dengan fokus pada aktivisme dan politik. Dalam karya para seniman yang dilibatkan secara sosial, seni adalah proses dengan kekuatan untuk melakukan perubahan langsung dan tidak langsung di dunia. Rentang tanggal yang luas dari acara ini memungkinkan munculnya beragam pilihan keprihatinan global, termasuk protes terhadap Perang Vietnam, seperti dalam karya Nancy Spero dan Edward Kleinholz, protes yang ditujukan pada tanggapan pemerintah terhadap krisis AIDS, seperti dalam karya AA Bronson, General Idea, dan Felix Gonzalez-Torres.

Beberapa karya yang paling mengejutkan ada di untai berjudul Spaces and Predicaments, di mana patung-patung karya Melvin Edwards dan Senga Nengudi menyarankan pendekatan yang lebih liris, penuh teka-teki, dan difus untuk mengeksplorasi protes dalam seni. Nengudi’s Internal I (1977), yang menciptakan ruang penuh harapan dan tampaknya menggambarkan pohon kehidupan, ditampilkan di galeri untuk pertama kalinya. Sejarah seni feminis juga terikat dengan estetika protes yang berkembang, dan ini diwakili dalam karya seniman termasuk Gerilya Gadis, Howardena Pindell, Martha Rosler, dan Mierle Laderman Ukeles. “Sejak didirikan pada awal abad ke-20, Whitney telah berfungsi sebagai forum untuk seni dan ide-ide paling mendesak saat itu, terkadang menarik protes,” kata Scott Rothkopf, Wakil Direktur untuk Program Whitney dan Nancy dan Steve Crown Kurator Kepala Keluarga. “Dari pertanyaan perwakilan hingga memperjuangkan hak-hak sipil, Sejarah Protes yang Tidak Lengkap mengedepankan isu-isu yang masih menghasut protes hingga saat ini. Akar dari pameran ini adalah keyakinan bahwa para seniman memainkan peran besar dalam mengubah waktu mereka dan membentuk masa depan. ”

Judul pertunjukan memiliki resonansi ekstra dalam terang kerusuhan baru-baru ini di Charlottesville. Pameran ini melihat cara-cara di mana para seniman merespons kekerasan yang dirasialisasikan, melalui karya-karya Hock E Aye Vi Edgar Heap of Birds, Carl Pope, Pat Ward Williams. Karya-karya yang konfrontatif dan kuat ini sangat relevan untuk memahami konteks kontemporer dari ras dan kekerasan di AS. Seniman lain yang termasuk adalah Mark Bradford, Paul Chan, Larry Clark, On Kawara, Glenn Ligon, Julie Mehretu, Toyo Miyatake, Senga Nengudi, Gordon Parks, Ad Reinhardt, Martha Rosler, dan Kara Walker. Aspek yang menguatkan dari pameran ini adalah keragaman pendekatan yang diambil oleh para seniman untuk membuat karya yang transformatif dan mengubah dunia.

Fotografi dan pengaruh persuasif

Penemuan foto itu melihat persepsi realitas dan kemakmuran berubah selamanya. Gagasan bahwa suatu momen dapat ditangkap dalam waktu dalam detail mikroskopis seperti itu, sangat sesuai dengan kehidupan dengan unsur-unsur yang diingat yang bahkan tidak diperhatikan pada saat itu, sepenuhnya mengadaptasi cara kita merekam, melaporkan, dan mengingat peristiwa penting dan tidak penting.

Meskipun kami dibombardir dengan gambar-gambar, foto itu tetap menunggu untuk berpura-pura menjadi mahkotanya. Mereka mengatakan sebuah gambar berbicara ribuan kata dan foto itu masih merupakan cara terbaik untuk menyampaikan informasi, menceritakan kisah instan, dan mengilustrasikan sebuah konsep karena kita secara inheren adalah makhluk visual. Ketika sebuah foto berhasil, itu benar-benar memengaruhi kita, merenggut emosi mentah dan menjadi lebih puitis daripada prosa yang paling menyentuh. Seperti yang diakui Marshall McLuhan, munculnya foto itu bahkan secara eksponensial mengubah persepsi kita tentang kata-kata tertulis dan lukisan itu, dan memaksa mereka untuk mempertimbangkan kembali dan tumbuh – “pelukis itu tidak lagi dapat menggambarkan sebuah dunia yang telah difoto. Dia berbalik, sebaliknya, untuk mengungkapkan proses kreativitas batin. ”

Festival HUBUNGI tahun ini di Toronto adalah tahun ke-14 acara di seluruh kota dan sutradara telah mengeluarkan tema untuk mengatasi sifat dari pengaruh yang meresap ini. Mengambil inspirasi dari teks mani Marshall McLuhan, Understanding Media: The Extension of Man (1964) dan secara khusus bab berjudul The Brothel without Walls, program acara ini mengeksplorasi seberapa besar fotografi telah menyentuh kehidupan kita. Direktur Artistik Bonnie Rubenstein menjelaskan: “Ketika teknologi fotografi berkembang, ia telah mengubah cara kita memandang dan beroperasi di dunia di sekitar kita. Ada banyak faktor yang telah membentuk kembali pengaruh fotografi dan cara kita menegosiasikan gambar selama 50 tahun terakhir. ”Faktor-faktor ini bersifat teknologi dan sosiologis dalam cakupannya, dan mencakup tidak hanya bagaimana kita memandang foto itu sendiri tetapi juga dunia. sekitar kita. McLuhan membahas bagaimana “turis yang tiba di Menara Miring Pisa sekarang hanya dapat memeriksa reaksinya terhadap sesuatu yang telah lama ia kenal,” dengan cara yang meniadakan rasa eksotisme pada yang asing. Faktor-faktor seperti ini, dan pemindahan fotografi dari komunikasi utama kami dari sintaksis ke pengajar grafis, ditangani oleh berbagai acara dan pameran di seluruh kota.

CONTACT memiliki lebih dari 200 tempat yang terlibat dalam festival tahun ini, dengan pameran utama berlangsung di Museum Seni Kontemporer Kanada (MOCCA) dan Pusat Seni Universitas Toronto; ini didukung oleh pameran fitur di tempat-tempat yang didirikan sebagai tanggapan atas pengumuman tema 2010 satu tahun yang lalu, dan juga oleh instalasi publik yang akan muncul di seluruh kota. Rubenstein menjelaskan: “Kami sangat berhati-hati untuk memastikan bahwa gambar-gambar tersebut disajikan secara jelas dalam konteks yang relevan dan terkait, baik dari sudut pandang estetika maupun konseptual,” dan dengan demikian instalasi publik cenderung mengarah pada refleksi sifat invasif dari banyak hal. dari dunia kita hari ini. Tahun lalu, São Paulo memberlakukan larangan penuh terhadap iklan luar ruang sebagai protes terhadap permeasi taktik pemasaran agresif di abad ke-21. Sebagai tanggapan, Hank Willis Thomas telah membajak ruang iklan utama di pusat kota Toronto agar sesuai dengan gambar dan bahasa iklan yang menggambarkan orang Afrika-Amerika. Daya tarik mengubah medium papan iklan menjadi kritik dan juga memberlakukan tujuan utamanya adalah jelas: “Pemirsa tidak harus mengandalkan informasi latar belakang untuk memahami bahwa ini bukan iklan biasa; tetapi kami memang memberikan petunjuk bagi mereka yang tertarik untuk mengeksplorasi pekerjaan lebih lanjut: penempatan alamat web kami secara halus, dapat dilihat dari mobil, atau panel deskriptif kecil untuk pejalan kaki. ”Instalasi publik ini sekarang telah menjadi ciri khas KONTAK untuk aset-aset yang dapat didekati. mereka meminjamkan ke festival, “banyak orang masih terintimidasi oleh galeri dan instalasi publik kami dapat diakses oleh khalayak luas dan beragam dari semua lapisan masyarakat. Kami membawa pengalaman galeri langsung ke domain publik dan kami sekarang terkenal karena kemampuan kami untuk memeriahkan kegemparan karena duduk dalam lalu lintas atau keseronakan menunggu penerbangan di bandara. “

Fotografi Hongaria di abad ke-20

Memasang sebuah pameran yang membahas 75 tahun kerja dan fitur lebih dari 50 fotografer bukanlah tugas yang sedikit. Pujian kemudian adalah karena tim di belakang Royal Academy of Art’s Eyewitness: Hungarian Photography di abad ke-20. Dengan membawa pengunjung dari tahun 1914 hingga 1989, pameran fotografi pertama Akademi dalam bertahun-tahun, akan menghilangkan keraguan akan pertunjukan bersejarah yang mantap dan menyajikan beberapa gambar paling provokatif abad ini. Apa yang tampaknya hampir mustahil untuk dilakukan tanpa mengisi seluruh ruang lantai Akademi Royal, para kurator berhasil melakukannya dalam pameran yang jelas dan koheren dari dua bagian yang berbeda. Pertama, menghadirkan penceritaan kronologis yang jelas dari sejarah Hongaria yang saling bertentangan dan kedua, bagaimana fotografer Hongaria menerjemahkan kemajuan teknologi abad ini dalam media fotografi melalui lensa unik mereka sendiri ’.

Tentu saja ini membantu bahwa lima fotografer terbesar di dunia adalah orang Hongaria dan inilah nama-nama yang sudah dikenal itu — Brassaï, Capa, Kertész, Moholy-Nagy, dan Munkácsi — yang bertindak sebagai fondasi untuk pertunjukan. Tampil secara berkala melalui pameran, kelimanya mengumpulkan banyak pandangan kedua dengan gambar mereka yang langsung dapat dikenali, mulai dari potret selebritas yang diisi oleh Brassa hingga fotografi perang ikonik Capa. Bukan kebetulan bahwa kelima orang itu melarikan diri dari negara asalnya ketika Hongaria semakin dekat dengan komunisme dan di Paris, New York dan sekitarnya, kami melihat pekerjaan mereka berkembang.

Andre Kertész, Lászlo Moholy-Nagy dan Martin Munkácsi dipilih untuk eksperimen inovatif mereka dari sebuah medium yang sedang melalui periode perubahan paling dramatis. Kita melihat kelucuan Moholy-Nagy di kertas sensitif cahaya, menghasilkan foto-foto yang halus dan solarisasi bernada sempurna. Two Nudes, Positive dan Two Nudes dari Moholy-Nagy, Negatif dengan indah menunjukkan kreasi revolusionernya di mana gambar yang sama diulang persis kecuali untuk inversi warna. Kertész yang banyak direferensikan, bagaimanapun, menjauhkan diri dari teknologi dan beralih di antara perbedaan gaya yang besar, dengan tubuh kerja berganti-ganti dari dataran Hungaria yang luas hingga komposisi kehidupan yang tenang dan berseni yang tidak berbeda dengan Irving Penn. Kertész muncul sebagai editor kejam untuk gambar-gambarnya; memotong foto-fotonya untuk membuat bingkai terbaik atau mengambil gambar dari sudut yang tidak biasa untuk mengabadikan momen yang tepat; seorang visioner di media.

Bisa dibilang, itu akan menjadi Munkácsi yang paling disukai mata ramah majalah. Setelah keberhasilannya menggunakan film 35mm untuk menangkap gerakan dalam reportase olahraga, Munkácsi menggunakan teknik yang sama untuk cerita-cerita fesyen. Dipekerjakan oleh Harper’s Bazaar Munkácsi menciptakan tunas pantai aneh dari gadis-gadis yang bermain-main dengan mengenakan jubah yang tidak tampak aneh di halaman gaya hari ini. Jelas untuk melihat mengapa Munkácsi masih disebut sebagai salah satu pendiri fotografi mode dan memiliki hubungan yang tidak dapat disangkal dengan Bruce Weber dan Richard Avedon.

Sorotan dari pameran ini datang dari Brassaï, yang mendapatkan penghinaan dengan adegan romantis dan melamunnya dari Paris yang terus bertindak sebagai inspirasi wisatawan untuk berziarah ke City of Lights. Gambar-gambar Parisian Brass33 tahun 1933 (dikumpulkan dalam buku ini, juga dipamerkan, Paris de Nuit) menggambarkan kota itu sebagai kota metropolis tengah malam yang memikat di sepanjang Seine dan menyihir pertemuan dengan orang asing di bar bawah tanah: budaya yang mempesona tampaknya terbuka di depan mata Anda . Potret artis Brassa tentang Picasso, Matisse, dan Chagall yang dipamerkan semuanya menambah aura magnetiknya.

Di mana Brassaï menghadirkan kemewahan, Capa menghadirkan realitas yang tak tergoyahkan. Seorang fotografer perang yang tak kenal takut dan berdedikasi Capa jarang menghindar dari konflik dengan koleksi gambar yang diambil dari tanah dalam Perang Saudara Spanyol 1936 termasuk Kematian yang tak terlupakan dari Milisi Loyalis yang tampaknya mendokumentasikan peluru yang ditembakkan secara fatal melalui seorang prajurit. Capa bahkan berani menghadapi D-Day dan bergabung dengan tentara AS yang mendarat di Pantai Omaha, Normandy memproduksi serangkaian cetakan dalam aksi yang kuat yang merangkum gaya fotografinya yang tegas.

Fotografi tanpa kamera

Seiring berjalannya waktu, sedikit orang yang lebih misterius dan mempesona daripada seni fotografi yang tampaknya kurang paradoksal. Dengan akarnya dalam eksperimen fotografi awal, fotografi tanpa kamera mempertahankan kilasan titik puncak yang menggairahkan sebelum munculnya banyak gambar yang direproduksi secara massal, saat ketika menciptakan gambar foto melibatkan persekutuan cahaya, artis, bahan kimia, dan waktu yang tampaknya ajaib. Pada saat yang sama, dengan penekanannya pada proses, peluang, dan kemampuan abstraksinya, foto tanpa kamera ini terasa sangat selaras dengan keprihatinan dan praktik seni kontemporer. Di Ingleby Gallery musim dingin ini, dan berjalan bersamaan dengan survei besar fotografi tanpa kamera di V&A, A Little Bit Of Magic Realized menampilkan karya yang merentang karier oleh Garry Fabian Miller dan Susan Derges, dua seniman kontemporer yang selama lebih dari 20 tahun telah membuat foto-foto segar dan eksperimental tanpa kamera.

Kejujuran, Mei – September 1985, adalah karya paling awal dalam pameran oleh Garry Fabian Miller. Itu dibuat menggunakan proses pencetakan penghancuran pewarna, di mana pewarna tertanam dalam kertas foto, dan dihancurkan atau dilestarikan secara proporsional dengan gambar. Gambar-gambar dalam Kejujuran adalah unggulan utama, disusun dalam kisi-kisi dan terlihat pada tahap bulanan siklus pengembangannya dari kiri ke kanan, dan tahap mingguan setiap bulan dari atas ke bawah. Perubahan warna mencolok: coklat pada bulan Mei, tajam tajam dan hijau pada bulan Juni, memudar tetapi dengan warna merah pada bulan Juli, menghitam seperti virus pada bulan Agustus dan krim kusam murni pada bulan September. Sama seperti kehancuran, pengembangan, cahaya dan eksposur adalah bagian yang melekat dari proses Fabian Miller dalam produksi gambar-gambar ini, demikian juga mereka merupakan bagian yang tidak salah dari siklus yang ia gambarkan, yang memberikan gambar-gambar itu ketulusan yang luar biasa, perbedaan antara artis, proses dan gambar.

Karya yang lebih baru melihat Fabian Miller menggunakan proses penghancuran pewarna yang sama untuk membuat karya mencolok dan mencolok abstraksi berwarna dengan mengekspos gambar dengan durasi cahaya yang berbeda. Paparan (12 Jam Cahaya) dari 2005 adalah cincin merah besar tipis yang ditarik lebih dari 9 persegi panjang hitam. Mata tertarik ke margin fuzzy di mana merah bertemu hitam, dan kohabitasi bentuk-kontra mulus secara intuitif: lingkaran dan persegi panjang. The Night Cell (Winter 2009-10) adalah lingkaran biru dengan latar belakang persegi panjang biru gelap, dipenuhi bintik-bintik cahaya, seperti bintang muda, atau seperti struktur sel. Namun, hubungan benda dengan dunia fisik hanyalah salah satu aspeknya, dan sebagai karya abstraksi ia tegang dan memukau, sebuah eksplorasi warna, cahaya, dan bentuk.

Susan Derges terkenal karena fotonya tentang air, sering dibuat dengan merendam lembar kertas foto di malam hari dan memaparkannya di bawah sinar bulan dengan bantuan flash-gun. Karena waktu yang terlibat dalam proses, karyanya mampu menangkap dan mengeksplorasi beberapa kualitas air yang berubah, bergeser, dan tidak statis. Sepotong Samudera Atlantik dari tahun 1998 adalah dua gambar pasang. Dilihat langsung di dinding galeri, air pasang terlihat tebal dan gloopy dengan bubuk, pasir, menuangkan perlahan, seolah-olah cat, ke bawah pasir yang penuh. Teknik mengembangkan gambarnya di langit malam sebagai kamar gelap alami memberikan karyanya lingkaran – fokus gambar, yaitu air dan cahaya, juga merupakan alat pengembangan kreatifnya. Karya sebelumnya, Full circle 2 (1991), adalah serangkaian gambar perkembangan bawah laut dari tawon ke larva-tiang ke katak kecil. Terutama yang menarik dalam karya-karya ini adalah gabungan dari proses perkembangan alami dengan komposisi artistik yang kadang-kadang melukis, keduanya diwarnai oleh metafora untuk siklus kelahiran manusia juga.

Galeri Ingleby telah mengambil keputusan yang diilhami untuk menunjukkan eksplorasi kontemporer dari fotografi tanpa kamera ini bersama beberapa eksperimen fotografi perintis yang paling awal. Yang paling penting di antaranya adalah salinan yang sangat langka dari buku William Pictures di Skotlandia tahun 1845 karya William Henry Fox Talbot. Mengupas kembali perasaan pelindung untuk secara sementara memandangi gambar lanskap yang tajam dan terdefinisi dengan baik, saya tertarik pada dua arah: oleh pentingnya sensitivitas dan kehalusan dalam semua karya ini di satu sisi, dan interaksi langsung dan percaya diri dengan elemen di sisi lain. . Sebuah cetakan calotype negatif oleh Fox Talbot dari renda bermotif yang berasal dari awal 1840-an mengungkapkan seluk-beluk pekerjaan pola dan tekstur kain itu sendiri. Terlihat dalam konteks contoh-contoh awal ini, karya-karya Garry Fabian Miller dan Susan Derges bersinar dengan semangat penemuan, eksplorasi, dan rasa hormat mereka.

Fotomonitor Bentang Alam Digital

Christiane Monarchi adalah editor pendiri majalah online Photomonitor, yang didedikasikan untuk fotografi dan media berbasis lensa di Inggris dan Irlandia, dan telah menerbitkan lebih dari 800 fitur online dari 200 seniman dan penulis dalam lima tahun pertamanya. Menjelang diskusi panel bersama Aesthetica, Corridor8 dan Elephant Magazine di Simposium Masa Depan Sekarang, Monarchi memperluas peluang gambar yang belum pernah ada sebelumnya di dunia digital.

A: Setelah mendirikan Photomonitor, mengapa Anda berpikir bahwa fotografi dan media berbasis lensa semakin menjadi media penting bagi seniman untuk berkarya?

CM: Saya telah bertanya kepada banyak teman seniman pertanyaan ini baru-baru ini, untuk memahami perasaan praktisi – dan itu sangat luas. Kebenaran analog, dokumenter, cetakan tangan, bahkan karya-karya unik menarik bagi sebagian orang, sementara seniman lain merangkul pembuatan dan alat gambar digital, kemampuan berbagi online, bercerita, narasi dan kemungkinan fiksi yang melekat dalam menciptakan dan memproses gambar melalui digital dunia. Dan di suatu tempat di spektrum adalah kepenulisan photobook, yang memungkinkan berbagi karya besar, dengan cara apa pun mereka dibuat dengan kamera. Ini adalah spektrum yang menarik untuk melihat seniman bergerak, dan bukan hanya mereka yang terlatih dalam fotografi.

A: Anda juga seorang kurator lepas, dosen, dan Ketua Dewan Direksi di Pusat Fotografi Photofusion di jantung Brixton. Bagaimana pengalaman ini membantu Anda dalam menciptakan publikasi?

CM: Saya senang bertemu dengan banyak seniman, kurator, pembuat galeri, ahli lelang, penulis dan penerbit dalam enam tahun terakhir bekerja di Photomonitor, dan ketika saya fokus pada seniman dan pameran Inggris dan Irlandia ada banyak tumpang tindih di ketentuan memamerkan seniman, penulis buku foto, kurator, akademisi. Saya senang bisa melibatkan orang-orang di bidang minat fotografis mereka pada Photomonitor, dalam sebuah pameran yang saya kuratori, menyambut mereka ke Photofusion, atau mungkin ketiganya, terutama ketika saya mulai bekerja dengan seniman dan profesional fotografi di Skotlandia, Irlandia, dan Wales juga, dan berharap untuk membuat koneksi dengan London jika memungkinkan.

A: Menurut Anda, apa tujuan Photomonitor terbesar dalam hal terlibat dengan seniman dan menciptakan dialog internasional?

CM: Kami sering memiliki fitur tentang artis dari luar Inggris dan Irlandia yang ditampilkan di galeri “di sini”, penting untuk menambah diskusi kritis tentang praktik seniman di semua tempat yang dipamerkan. Dengan cara yang sama, Photomonitor adalah platform penting bagi para seniman yang membuat karya di sini, tinggal di sini, yang mungkin belum tentu menunjukkan pada saat ini – dengan cara, untuk menyediakan ruang untuk memamerkan karya dan gagasan kepada pembaca “di rumah” dan di luar negeri. Dan karena online kontennya tetap terlihat selamanya, lebih dari 800 fitur artis yang terlihat di seluruh dunia di lebih dari 120 negara, itu perasaan yang hebat untuk dapat berbagi pekerjaan secara luas.

A: Bagaimana menurut Anda bahwa majalah online berubah dalam hal status dan popularitas?

CM: Saya sudah mengikuti dan membaca sedikit, dan menemukan yang saya tertarik untuk menyambut berbagai macam suara, daripada blog pribadi. Sama juga ada beberapa yang merupakan sumber luar biasa untuk gambar dan inspirasi visual, dan mungkin menawarkan teks yang kurang menarik – penting untuk menemukan keseimbangan yang baik antara kata dan gambar.

A: Mengakses lebih dari 120 negara untuk pembaca Anda, apakah Anda berpikir bahwa kenaikan konten online memicu lebih banyak orang untuk membaca dan terlibat dengan budaya? Dalam hal apa ada keseimbangan antara sisi positif dan negatif dengan internet?

CM: Pertanyaan yang menarik, karena saya sering bertengkar dengan gagasan menghabiskan terlalu banyak waktu melihat layar dan tidak cukup waktu untuk terlibat secara fisik dengan seni. Konten online tidak boleh menjadi pengganti pengalaman pribadi dan keterlibatan dengan seni, melainkan memberikan akses ke hal-hal yang mungkin tidak mungkin dialami secara langsung – baik dari kendala geografis atau fisik – dengan cara ini penting untuk menggabungkan pengalaman visual dengan pemikiran kritis untuk membuat kesan virtual abadi, meskipun. Beberapa pembaca yang kami miliki dari benua lain mungkin tidak pernah mengalami beberapa pameran atau karya seni secara langsung, tetapi saya berharap bahwa ulasan dan wawancara telah membantu membawa ide-ide lebih dekat.