Aplikasi Virtual

Tablet seperti iPad mengubah cara musik dibuat – tidak hanya bagaimana itu direkam, tetapi bagaimana itu dirilis dan dipasarkan juga. Kami melihat game-changer asli.

Pada April 2011, duo punk asal Amerika bernama The Ultramods merilis album. Itu disebut Underwear Party, dan itu adalah sepotong musik rock yang menyenangkan – menyenangkan, jika biasa-biasa saja. Tapi sementara lagu-lagu itu sendiri tidak terlalu menginspirasi, ada alasan lain untuk mencatat. Underwear Party adalah salah satu album pertama yang direkam dan diproduksi sepenuhnya pada tablet – dalam hal ini, iPad milik Apple.

Penyanyi utama kelompok itu, Bunny Ultramod, sangat antusias dengan perangkat ini: “Ini sepenuhnya buatan, sepenuhnya buatan manusia,” katanya di situs web mereka. “Namun itu menghasilkan reproduksi instrumen aktual yang kredibel. Ini adalah alat dekaden yang sempurna. ”Walaupun musik mereka mungkin tidak mutakhir, metode mereka tentu saja. Ultramod adalah ujung tajam dari sebuah gerakan yang dengan cepat mengubah cara musik dibuat. Melalui aksesibilitas mereka, komputer tablet membuka kreasi musik untuk generasi seniman yang sama sekali baru.

IPad Apple-lah yang mendominasi gerakan ini. Tablet lain seperti Blackberry Playbook dan Samsung Galaxy adalah mesin yang mampu, tetapi mereka tidak bisa menyamai Apple untuk kemudahan penggunaan dan aplikasi yang tersedia (lebih dari 400.000). Mereka juga tidak menjual sebanyak – pada bulan yang sama ketika The Ultramods merilis album mereka, Apple menyesalkan bahwa mereka “hanya” mengirim 4,69 juta unit tablet mereka. Jadi, suka atau tidak, ini adalah percakapan tentang iPad.

Kami akan kembali ke alasan perusahaan lain belum dapat membuat kemajuan dalam waktu singkat. Untuk saat ini, mari lompat cepat ke Los Angeles, tempat seorang pria bernama Hayden Bursk berada dalam aliran penuh. Dia tepat di pusat ledakan aplikasi musik iPad: sebagai direktur aplikasi seluler di Sonoma Wire Works, dia bertanggung jawab untuk mengawasi pengembangan perangkat lunak merek dagang mereka, StudioTrack. Aplikasi ini adalah studio rekaman berfitur lengkap, memungkinkan Anda untuk merekam, mengedit, mencampur dan memproses audio. Ketika datang ke pertanyaan mengapa musisi telah beradaptasi begitu mudah ke iPad, dan tablet pada umumnya, Bursk memiliki jawaban yang sangat mudah: hampir tidak pernah dimatikan.

“Ketika Anda siap untuk pergi, itu aktif,” katanya. “Ringan, mudah dibawa. Saya pikir beberapa hal yang membuatnya sangat menarik untuk internet dan email telah terbawa ke sisi kreatifnya. Kedipan atau percikan kreativitas membuat sesuatu berlalu dengan cepat. Jika Anda dapat menangkapnya, jika perangkat lunak dapat memuat dengan cepat, mudah untuk pergi, hanya di sana, itu benar-benar menarik. ”

Alex Lelievre sependapat. Pengembang juga berbasis di Los Angeles (kami tidak yakin mengapa begitu banyak pengembang aplikasi musik berlokasi di California; mungkin dekat dengan markas Cupertino Apple, mungkin) dan merupakan arsitek dari perangkat lunak musik iPad lainnya, ProRemote, dirilis untuk baik iPhone dan iPad oleh perusahaan Far Out Labs-nya. Kata Lelievre: “Bagi saya, hasil tangkapan sebenarnya adalah di komputer, Anda memerlukan mouse. Itu cobaan satu jari. Apa yang membuat perangkat lunak kami benar-benar hebat adalah Anda dapat menggunakan semua sepuluh jari. Anda tidak dapat melakukannya dengan mouse. Itulah perbedaan besar, karena menggunakan semua jari Anda adalah apa yang cenderung dilakukan musisi sepanjang waktu. ”

Dia ada benarnya di sana. ProRemote pada dasarnya mengubah iPad Anda menjadi meja pencampur remote control, yang menghubungkan dengan PC atau Mac Anda dan memungkinkan Anda menaikkan dan menurunkan fader dari seberang ruangan. Ini adalah perangkat lunak yang lebih teknis, tenang dari pada StudioTrack yang cerah dan penuh, tetapi itu masih sangat berguna – dan itu menggambarkan dengan jelas salah satu alasan utama mengapa tablet menarik bagi para musisi.

Arsitekstur sadar

Dawoud Bey (lahir 1953) adalah seorang fotografer dan pendidik Amerika yang terkenal dengan potret jalanan yang menghubungkan individu tersebut dengan komunitas yang lebih besar – yang menawarkan jalinan penting antara kondisi manusia dan tetangganya.

Dalam The Photography Workshop Series, Aperture berkolaborasi dengan seniman terkenal untuk menyaring pendekatan, pengajaran, dan wawasan kreatif mereka. Bey adalah yang berikutnya dalam koleksi publikasi ini, membahas berbagai sudut pandang etika, pribadi dan konseptual untuk menciptakan potret. Dia menyatakan: “Gagasan saya sebagian besar berpusat pada subjek manusia; Saya tertarik untuk memvisualisasikan komunitas manusia dalam berbagai konteks. Gambar orang-orang di depan kamera – yang menggambarkan semua yang telah saya lakukan selama 40 tahun, setiap gambar. ”

Publikasi ini membawa pembaca pada perjalanan visual dan informasi yang sangat menarik melalui pengajaran dan renungan Bey tentang tanggung jawab artis sebagai seorang dokumenter – “bekerja dengan permukaan” untuk membangkitkan rasa identitas yang kredibel dalam individu yang diwakili. Mendaftarkan sejumlah pengaruh utama – Richard Avedon dan Irving Penn untuk menyebutkan hanya dua – ada rasa kagum sejati pada komitmen seumur hidup dan petualangan untuk fotografi.

Ada segudang gambar seminal dan afektif untuk dibaca – menarik kembali ke tahun 1970-an dan 1980-an di Harlem, Washington DC dan New York. Anak-anak sekolah berkumpul di sudut jalan; seorang wanita di lorong menatap langsung ke kamera; pasangan di halte bersandar, nyaman, satu sama lain. Ada kontras, emosi, dan sensitivitas yang bisa dilihat di setiap belokan halaman.

Selain itu, seperti semua buku lain dalam seri Aperture, teks tersebut diperkenalkan oleh salah satu siswa Bey – Brian Ulrich – yang memberikan kesaksian positif dan optimis tentang mekanisme seni yang lebih luas. Barangkali pada saat-saat pendampingan inilah buku ini bersinar lebih terang dengan api kemungkinan, imajinasi, dan generasi gagasan. “Dawoud Bey ramah dan murah hati; ia memiliki tujuan dalam membentuk komunitas dukungan dan persahabatan antara mereka yang tertarik untuk membuat dan berbicara dengan budaya kita, dalam mengubah dan memengaruhi dunia dengan gerakan kecil dan agung. Ini melanjutkan dari karyanya, yang terus mengkalibrasi ulang pemahaman kita tentang dunia dan menunjukkan potensi dalam diri kita semua. ”

Karya Bey ditampilkan dalam banyak koleksi besar termasuk Institut Seni Chicago; Galeri Seni Nasional, Washgington, DC; Museum Seni Modern San Francisco; Museum Seni Metropolitan; dan Museum Seni Amerika Whitney, New York.

Artistik

Pameran tunggal pertama Scarlett Hooft Graafland (lahir 1973) di Flowers Gallery, London, mengundang pemirsa ke lanskap surealis di mana beragam pilihan orang dan benda diposisikan di beberapa sudut dunia yang paling terpencil. Mulai 29 Maret, Discovery menawarkan koleksi gambar seperti mimpi yang menampilkan lebih dari satu dekade eksplorasi lingkungan dan komposisi kreatif, dari pengaturan sejauh mencapai Madagaskar, Vanuatu dan Bolivia.

Sementara pertunjukan mungkin bersifat sementara, foto-foto ini membuat pergerakan permanen dari tokoh-tokoh di topografi kuno dan tak tersentuh. Jalinan di seluruh pekerjaan adalah cerita dan kebiasaan setempat, menyoroti daya tarik Hooft Graafland dengan mitologi budaya dan daerah terpencil di bumi. Buatan ini sementara dikombinasikan dengan alam, menghasilkan konfigurasi yang fantastis. Objek yang digunakan pada dasarnya tidak aneh, namun, penggunaan warna yang dinamis, pengaturan yang berani dan penjajaran budaya mengubah yang akrab menjadi yang tidak diketahui. Menggunakan baik palet kaya pemandangan organik dan warna-warna cerah dari alat peraga, koleksi memukau mata dan menarik penonton ke dalam foto-foto yang luar biasa ini.

Discovery meneliti berbagai tema yang beragam seperti iklim yang ditangkapnya. Menyentuh kerapuhan alam, identitas dan erosi budaya tradisional, pertunjukan ini disemen dalam isu-isu global penghargaan lingkungan dan sosial. Praktisi terlibat dengan orang-orang setempat, dengan cermat membuat situasi untuk menghasilkan gambar yang ditangkap secara visual. Kesulitan yang dihadapi oleh seniman yang berbasis di Amsterdam di lokasi yang tidak ramah dan tidak ramah ini sebagian besar tersembunyi di bawah estetika minimalis.

Terlepas dari referensi Dali dan Magritte, Hooft Graafland menggunakan beragam kinerja, kerajinan patung dan fotografi, portofolio yang unik dan dinamis. Di antara pengakuan kritis yang tersebar luas, filsuf Maarten Doorman telah mengagumi fotografer untuk ini: “Dengan kamera analog dan kesabaran antropologisnya, ia merebut kembali lanskap dan peradaban singkat dari budaya visual yang acuh tak acuh.” Pernyataan ini menunjukkan integritas di jantung visi seniman, memvalidasi komitmen kepada dunia yang dia tangkap secara elegan.

Seni sebagai kehidupan

Merefleksikan karirnya pada tahun 1956, arsitek Walter Gropius menulis: “Dalam perjalanan hidup saya, saya menjadi semakin yakin bahwa praktik arsitek yang biasa untuk meringankan pola terputus-putus yang mendominasi di sana-sini oleh bangunan yang indah sangat tidak memadai dan bahwa sebaliknya, kita harus menemukan seperangkat nilai baru, yang didasarkan pada faktor-faktor pendukung seperti yang akan menghasilkan ekspresi pemikiran dan perasaan terpadu untuk zaman kita … persatuan seperti itu dapat dicapai untuk menjadi pola yang terlihat bagi demokrasi sejati. ” Visi utopis diungkapkan paling konkret selama tahun-tahun setelah Perang Dunia I 1919-1933, ketika ia merancang sekolah seni paling berpengaruh di dunia, Bauhaus. Setelah kehancuran perang, Jerman sangat perlu menilai kembali posisinya di Eropa. Gropius telah berperang dalam perang dan, alih-alih menyerah pada kekecewaan, ia menggunakan pengalaman itu untuk memicu hasratnya untuk menciptakan dunia yang lebih baik dan lebih adil. Melalui semangat idealisnya, Bauhaus menjadi buah bibir bagi modernisme minimalis dan estetika intelektual; dari Apple ke IKEA, kecenderungan gaya sekolah masih bergema dan membentuk dunia kontemporer kita.

Bauhaus: Seni sebagai Kehidupan di Barbican di London adalah pameran Bauhaus terbesar dalam 40 tahun dan menampilkan 400 karya dalam berbagai disiplin ilmu seperti arsitektur, tekstil, fotografi, patung, furnitur, lukisan, keramik, desain produk, teater, film dan desain grafis. Kate Bush, Kepala Galeri Seni, Barbican Center, menyatakan: “Bauhaus adalah kekuatan yang tak terhindarkan dalam pengembangan budaya visual modern, yang dampaknya dirasakan di seluruh dunia; itu didorong oleh idealisme dan komitmen terhadap kreativitas dan eksperimen yang tetap lebih relevan saat ini. “Karya seni ini akan dilihat dalam konteks perkembangan sekolah dari awal Ekspresionis ke penutupan paksa 14 tahun kemudian. Mempresentasikan tinjauan warisan sekolah, co-kurator Lydia Yee percaya bahwa waktu pertimbangan ulang mendalam ini sangat relevan: “Di era internet, kami berpendapat bahwa Open Source dan kolaborasi semacam ini adalah tipikal dari periode tersebut, tetapi ini semangat dan metode kerja sama telah ada sejak lama. ”Serangkaian produk budaya di seluruh spektrum seni dan desain telah dikumpulkan termasuk karya-karya teladan dari para Master Bauhaus seperti Josef dan Anni Albers, Marianne Brandt, Marcel Breuer, Walter Gropius, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Hannes Meyer, László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer dan Ludwig Mies van der Rohe.

Walter Gropius mendirikan Bauhaus sebagai bagian dari penggabungan dua sekolah seni yang ada – Sekolah Seni dan Kerajinan Grand Ducal dan Akademi Seni Rupa Weimar. Nama, secara harfiah “rumah konstruksi”, berdiri untuk School of Building dan mencerminkan latar belakang arsitektur Gropius. Setelah merancang beberapa bangunan modernis yang dipengaruhi oleh arsitek Amerika Utara, Gropius memastikan bahwa etos sekolah mengabadikan konsep bahwa bentuk harus selalu mengikuti fungsi. Memang Gropius mengklaim bahwa “Alkitab” -nya untuk membentuk Bauhaus adalah portofolio gambar Frank Lloyd Wright yang diterbitkan di Jerman pada tahun 1910, berjudul Wasmuth Portfolio. Dia juga percaya bahwa totalitas praktik artistik harus dimanfaatkan dalam upaya penggabungan fungsionalitas dengan estetika. Rekonsiliasi seni rupa ini dengan seni terapan tetap menjadi salah satu perhatian utama sekolah selama keberadaannya. Penekanan Gropius pada kerja kolaboratif sama praktisnya dengan filosofis. Karena tidak memiliki keterampilan menggambar, ia mengandalkan keahlian orang lain untuk mewujudkan desainnya sendiri, misalnya rendering Isometrik Bayer dari kantor Walter Gropius di Bauhaus, Weimar (1923). Yee menegaskan bahwa Gropius sangat cocok untuk peran ini karena “dia mengembangkan kepekaan dan keterampilannya dalam membina hubungan semacam ini, dan dia sangat spesifik tentang tipe guru yang dia inginkan di Bauhaus; dia tidak mempekerjakan siapa pun yang menurutnya akan memecah belah komunitas. ”

Bertukar gagasan

Era digital telah mengubah dunia seni, di satu sisi mendemokrasikan produksi, manipulasi dan distribusi gambar, tetapi di sisi lain menimbulkan ketakutan dan pertanyaan baru – paling tidak bagaimana kita mengidentifikasi, menghargai, dan mengkurasi seni ketika semua orang memiliki kapasitas untuk menjadi “artis”?

Pertanyaan-pertanyaan seperti ini membentuk fokus dari Future Now Symposium 2017, yang akan mengambil pandangan luas tentang kondisi ekosistem seni saat ini dan tantangan sosial dan ekonomi yang dihadapinya, menyatukan organisasi dan praktisi di garis depan era baru ini. Ini menawarkan tempat untuk pertukaran ide, termasuk peluang dukungan dan jaringan, sementara juga menunjukkan komitmen Aesthetica untuk mempromosikan seniman yang baru muncul, melalui ulasan portofolio dengan tokoh-tokoh berpengaruh dari komunitas seni yang lebih luas. Di atas segalanya, simposium menunjukkan bahwa seni kontemporer adalah mekanisme yang memungkinkan kita untuk menanggapi pemahaman baru tentang kehidupan.

Seperti biasa, simposium akan dihadiri oleh individu dan organisasi dari seluruh dunia seni Inggris. Tahun ini yang diwakili termasuk Artangel, Dewan Seni Inggris, Festival Seni Edinburgh, Sekolah Seni Glasgow, Hiscox, Sekolah Tinggi Seni Leeds, Sekolah Tinggi Komunikasi London, Foto Magnum, Hadiah Seni Max Mara untuk Wanita, Tate Liverpool, Universitas York, Wellcome Trust, Galeri Whitechapel, Organisasi Fotografi Dunia dan Koleksi Zabludowicz.

Program luas sesi yang ditawarkan akan mencakup Kurasi untuk Pemirsa Abad 21 (Kamis 25 Mei, 10: 15-11: 30) membahas status museum modern di zaman pemotongan dana, dan ketegangan antara permintaan komersial untuk pameran blockbuster dengan daya tarik massa dan kebutuhan vital untuk mendukung bakat baru untuk memastikan masa depan seni. Sementara itu, dalam Inovasi dalam Pembuatan: Teknologi, Desain, dan Digital (Kamis 25 Mei, 10: 15-11: 30), para ahli membahas sentuhan terbaru dalam hubungan panjang seni dengan teknologi – bahwa sejumlah praktisi yang tumbuh pesat sekarang bekerja sepenuhnya dengan kode dan realitas digital daripada benda seni dalam arti fisik apa pun.

Di antara sesi pada hari Jumat 26 Mei, masa depan jurnalisme seni datang dalam diskusi (12:30 – 13:45). Penerbitan tradisional telah dibiarkan dalam posisi genting di era smartphone dan harapan yang berkembang bahwa media harus dikonsumsi secara gratis. Namun publikasi spesialis terus berkembang dalam lanskap yang dipenuhi data ini. Panel kami membahas keseimbangan antara editorial dan advertorial. Pengunjung tahun ini juga akan memiliki kesempatan untuk menghadiri pandangan pribadi artis terpilih untuk Aesthetica Art Prize 2017 di mana pemenang tahun ini akan diumumkan.

Cara kita hidu sekarang

Jika Anda berjalan menyusuri jalan hari ini dan melihat melalui jendela-jendela rumah, Anda akan menyaksikan berbagai ruang hidup: pemilik rumah saat ini sibuk dengan desain dan pengaturan dunia di sekitar mereka. Majalah yang tak terhitung jumlahnya – Elle Decoration, World of Interiors, Wallpaper * dan Domus – menumbuhkan visi aspirasi rumah, sementara ratusan buku memastikan kemakmurannya, acara televisi memicu daya tarik populer, dan sejumlah besar program desain memastikan gelombang masuk yang luas dari berbagai magang bermata siap untuk setiap kesempatan untuk mempengaruhi bentuk hal-hal di sekitar kita. Kami telah menyadari peralatan makan kami, tempat tidur kami, bahkan pesan di balik font pada CV kami, dalam kenyataan hiper-kesadaran dan fetishisasi taktil dari sehari-hari.

Namun, hal ini tidak selalu terjadi: bagi mereka yang hidup di tahun 1940-an, konsep desain rumah tangga belum dapat diakses secara universal dan akibatnya mode rumah tangga cenderung tenang dan tidak imajinatif. Namun, sejak tahun 1950-an, publik Inggris telah terpapar oleh pengaruh Sir Terence Conran, yang, lebih dari perancang Inggris lainnya, memengaruhi perubahan kesadaran nasional ini. Sejak keluar dari kursus Desain Tekstil di Central School of Art, Sir Terence telah membuka lokakarya dengan Sir Eduardo Paolozzi (mantan tutornya), bekerja di The Festival of Britain, membangun sebuah kerajaan restoran, meluncurkan kelompok Desain Conran, memperkenalkan furnitur paket datar dan desain Eropa melalui Habitat, mengawasi kerajaan jalanan tinggi (termasuk Heals, BHS dan Next), bekerja secara luas dengan Concorde, membuka praktik arsitektur, mendirikan Conran Foundation, dan menciptakan London’s Design Museum, yang pertama dari baik di dunia.

Ini adalah Museum Desain yang menjadi tuan rumah The Way We Live Now, pameran saat ini yang merayakan ulang tahun Conran yang ke-80 dan peran sentralnya dalam membentuk kesadaran desain nasional. Membawa pengunjung melalui karier Conran yang termasyhur, termasuk karya-karya dari lokakarya awalnya, penciptaan kembali ruang Habitat awal dan wawasan tentang desain industri dan restorannya, ini adalah proyek ambisius yang dikuratori oleh Direktur Museum Desain, Deyan Sudjic dan jangka panjang Conran. kolega dan kolaborator Stafford Cliff. Sejak bergabung dengan studio Conran sebagai Office Junior pada tahun 1966, Cliff telah belajar dari dan mengagumi Conran dari dekat, merancang katalog Habitat pertama dan berkolaborasi pada publikasi Inspirasi Conran 2008, di mana ia memberikan katalog mental karya yang sangat berharga atas nama perancang yang memiliki sederhana menolak untuk menyimpan arsip dari karyanya sendiri.

Kasih sayang Cliff untuk Conran dan karyanya terbukti dan antusiasmenya menular dalam memaksa Anda untuk mempertimbangkan efek yang Conran miliki terhadap estetika kami. Dia menggambarkan tugas mengatur pameran pada sosok besar dalam desain Inggris sebagai sesuatu yang “luar biasa” dan kemudian menggambarkan pengaruh Sir Terence sebagai “sangat mendasar [karena] bukan hanya rumah kita tetapi perilaku kita, belanja dan makan kita kebiasaan, cara kita bersosialisasi, tempat yang kita sukai, dan bagaimana kita menanggapinya. Dalam masa hidupnya dia telah mengubah semua itu, tentu saja tidak sendirian, tetapi dengan memberi kita hal-hal yang kita tidak tahu kita inginkan. “Cliff tidak dapat mengartikulasikan cukup efek yang Conran miliki terhadap lingkungan kita. “Lihatlah semua program yang kami miliki di makeover rumah. Siapa sangka? Pada 1960-an, 1950-an, dan bahkan lebih jauh dari itu, rumah itu bukan sesuatu yang ada banyak majalah tentang dan tentu saja hampir tidak ada buku tentang desain interior, dekorasi atau gaya hidup. Ketika saya mulai, jika ada buku baru tentang desain rumah dan interior, saya akan membelinya dan mungkin akan ada dua tahun jika kami beruntung. Sekarang Anda tidak mungkin membeli semuanya. Ini adalah industri yang sangat besar dengan minat yang sangat besar dan telah menangkap imajinasi orang-orang dengan cara yang tidak mungkin telah diantisipasi. “

Diluar Fotografi mode

Untuk setiap fashionista, Rankin membutuhkan sedikit pengenalan. Namanya telah menjadi identik dengan dunia fashion tinggi yang jenuh diri, berkilau, dan penuh citra. Sepanjang tahun 1990-an, Rankin dan “style bible” yang diproklamirkan dirinya sendiri, Dazed and Confused, datang untuk mendefinisikan generasi melalui kepercayaan dan kepribadian yang kurang ajar dari Brit Pop, YBAs dan Cool Britannia. Kate Moss, Oasis, Bingung dan Bingung, Tony Blair, bahkan Ratu, bergabung di bawah lensa Rankin untuk menyulap mistik London sebagai tempat yang akan dikunjungi. Pada masa-masa awal pemerintahan Buruh yang memabukkan, Rankin berada dalam elemennya, menyatukan dunia mode, musik, seni, dan politik dengan kepercayaan diri yang tak tergoyahkan.

Ketika kilau Cool Britannia memudar dengan cepat, potret Rankin mempertahankan kualitas bintangnya. Bersama Mario Testino, Rankin adalah salah satu dari beberapa fotografer yang telah menyatukan dunia mode dan budaya populer dan daftar kredit fotonya berbunyi seperti siapa yang ada di sini dan sekarang. Dalam banyak hal Anda berharap dia menjadi klise, yang hanya disebut oleh moniker yang ditunjuknya, fotografer fesyen baru-baru ini menikah dengan model, tetapi begitu ia akhirnya dilacak, Rankin adalah pembicara yang ramah, ramah, dan menarik. Dia akan dengan mudah mengalihkan pada tangen 15 menit – liris lilin tentang reaksi publik terhadap seri telanjang laki-lakinya dan menyimpang ke dalam demonisasi penis: “Bagaimana ini terjadi? Bagaimana saya bisa berbicara tentang ini? ”

Hari ini Rankin tetap menjadi nama yang disegani di industri fashion, dan seorang komentator budaya melalui kesediaannya untuk membuka pekerjaan dalam industri tersebut ke pandangan publik. Rankin Live melihatnya menjadi retrospektif pertama dari karir penuhnya, mencakup fashion, budaya populer, royalti, erotika, pekerjaan pribadi dan amal di Truman Brewery, London. Karya-karya yang dipamerkan menunjukkan bakatnya dalam menangkap subjek dan menjalankan keseluruhan emosi – Tony Blair terlihat hampir layu, tertindas, dan dibayangi oleh warna abu-abu dari kejatuhan yang sangat umum, sang Ratu gemerlap dalam kebesaran, hampir menjadi penjaga karikatur plastisin yang berdiri di atas appliqu Union Jack, potret selebriti adalah wawasan tentang etos kerja yang riang dan imajinatif. Rankin bermain dengan persepsi publik tentang rakyatnya, memaksimalkan konsepsi umum kita atau membalikkan mereka sepenuhnya – Robert Downey Jr bermain-main dengan tuba besar, Mary-Kate dan Ashley Olsen adalah peri halus, Grace Jones adalah sosok manga monokromatik yang disiram dengan warna merah, Sienna Miller adalah pahlawan Hitchcock, Hugh Grant adalah lothario yang ramah tamah dan Justin Timberlake adalah koboi mainan kitsch.

Foto-foto tersebut merupakan kolaborasi antara fotografer dan subjek. “Saya mendasarkan karir saya pada tidak sepenuhnya memegang kendali, sebagai orang yang kreatif, saya merasa lebih menarik.” Orang di depan lensa adalah inti dari foto, dan Rankin adalah opini profesional yang menemukan sisi terbaik mereka , tetapi mereka bekerja menuju citra bersama: “Banyak orang ingin saya memberi tahu mereka apa yang terlihat baik dan memberi mereka pendapat saya, ada harapan saya sebagai seorang fotografer.” Rankin adalah binatang langka, seorang fotografer fesyen yang terpesona oleh dunia di sekitarnya, tetapi dengan susah payah menyadari kedangkalannya, kekosongan di balik lapisan, kurangnya relevansinya dengan “dunia nyata”. “Saya tidak ingin menjadi fotografer fesyen dangkal bodoh yang tidak melakukan apa pun selain mengambil foto-foto indah, harus ada lebih dari itu.” Proyek untuk Oxfam dan Women’s Aid mengangkatnya menjauh dari fokus ini, tetapi dia tidak tertarik untuk berkhotbah: “Saya pikir kebanyakan orang melakukannya karena mereka merasa bahwa jika Anda cukup beruntung untuk menjalani kehidupan, melakukan pekerjaan impian Anda, dalam pernikahan impian Anda, Anda merasa seperti Anda harus mengembalikan sesuatu.” dia mengubah mode di atas kepalanya. Kampanye mode adalah tentang penjualan ide, gaya hidup yang terkait dengan merek, dengan kemewahan, dengan jenis orang yang akan membawa tas ini, atau mengenakan pakaian dalam ini. Alokasi ini terbalik untuk menciptakan kesan seseorang yang akan mendukung tujuan: “Anda akhirnya menjual ide dengan foto-foto Anda, ide memberikan uang untuk mendukung amal, atau waktu untuk mendukung amal, saya kira Anda bisa mengatakan itu adalah hati nurani saya.”

Shoot Me Rankin melengkapi elemen kedua Rankin Live dan mencakup interaktivitas dan keterbukaan abad ke-21. “Saya cukup demokratis, saya selalu terbuka untuk orang-orang yang melihat karya saya.” Fotografi digital memungkinkan pameran menjadi seketika dengan cara yang telah kita terbiasa. Tidak ada yang menunggu apa-apa lagi dan pameran melibatkan penonton saat itu terjadi: “Ini hampir seperti pertunjukan karena Anda dapat melihat pemotretan saat itu terjadi, Anda dapat memproyeksikannya ke layar besar dan itu sangat luar biasa, sangat cepat, sangat segera.

Empat jalan Baltic

Seorang mahasiswa Paul McCarthy, Jason Rhoades (1965-2006) tinggal dan bekerja di Los Angeles dan membangun apa yang ia klaim sebagai patung terbesar di dunia di Deichtorhallen di Hamburg, Jerman pada tahun 1999, dan memiliki instalasi besar di Venice Biennale ke-52 di 2007. Terlepas dari pencapaian ini, pematung tidak memiliki pameran besar Inggris di masa hidupnya – setelah meninggal pada 2006 pada usia 41. Perayaan BALTIC yang akan datang dari karya seniman dalam empat jalur interpretatif akan menjadi pertunjukan skala besar pertama Rhoades di Britania.

Pengaruh Rhoades beragam; mengutip tokoh-tokoh seperti Marcel Duchamp, Donald Judd, pembalap Formula 1 Ayrton Senna, aktor Kevin Costner, dan bahkan film Car Wash telah mempengaruhi lingkungannya yang luas dan hidup. Oleh karena itu, untuk memahami karyanya, pameran ini dibagi menjadi: ‘Jason Rhoades, Artis Amerika’; ‘Jason the Mason, (utas biografi yang dinamai sesuai dengan karakter buku anak-anak favorit)’; ‘Sistem (bahasa, skala, pengindeksan, ekonomi)’, dan ‘Tabu’. Dalam memanfaatkan bagian-bagian ini, pameran ini bertujuan untuk memetakan dan secara logis memahami beragam instalasi seniman dan menawarkan titik masuk yang dapat diterima ke dalam sebuah karya labirin yang dianggapnya sebagai satu proyek menyeluruh.

Di dalam area-area ini, pameran ini akan ditambatkan oleh instalasi besar dari seluruh karier artis, termasuk Renovasi Garasi New York (Cherry Makita), 1993; Mitos Penciptaan, 1998; dan Sutter’s Mill, 2000. Instalasi spektakuler yang berlebihan ini dibuat dengan benda-benda yang ditemukan, neon, Lego, alat-alat listrik, kabel yang berliku-liku, patung-patung, dan berbagai macam bahan lainnya dan dengan segera menarik perhatian, diisi dengan humor, semangat dan semangat. keberanian provokatif visinya.

Selain memamerkan karya-karya bombastisnya, organisasi Four Roads yang cermat bertujuan untuk menunjukkan bagaimana kerja Rhoades membutuhkan keterlibatan yang lebih dekat karena tumpukan barang yang acak dan semrawut berubah menjadi sistem yang bermakna, metaforis, dan fungsional berubah menjadi refleksi. Mitos Penciptaan misalnya, terdiri dari ratusan benda – melipat meja perjamuan, ember, kertas robek, balok kayu, peralatan kantor dan furnitur, monitor video, mesin asap – ternyata merupakan model otak seniman yang sangat dikerjakan bekerja dengan bagian untuk akumulasi pengetahuan, pemrosesan memori dan alam bawah sadar.

Foto London somerset house

Sekarang di tahun keduanya, Photo London adalah program ambisius untuk menampilkan, berbicara, memberikan penghargaan dan berbagai acara untuk menyediakan hubungan antara semua elemen fotografi yang berbeda yang dibuat, disalurkan, diterbitkan, dibeli dan dijual di Inggris saat ini. Di jantungnya terletak sebuah pameran seni tradisional dengan karya-karya dari 85 galeri terkemuka dunia untuk dijual di kamar-kamar labirin Somerset House dan sebuah paviliun halaman sementara.

Tapi ini bukan pameran dagang rata-rata Anda dan tata letaknya terasa sangat berbeda dari ruang pameran dan struktur sementara sebagian besar pameran seni saat ini. Galeri pribadi tampaknya telah menanggapi ruang-ruang intim yang ditawarkan oleh Somerset House dan pameran yang dikurasi dan koleksi khusus yang menyambut penjelajahan bagi mereka yang memiliki minat yang lewat serta kolektor serius. Sebagai contoh, pajangan seperti melodrra yang dibuat-buat karya Antonio Caballos, Fotonovelas, mempertanyakan tujuan fotografi sebagai bentuk seni populis dan seri indah Prabuddha Dasgupta tentang perempuan mengubah obyektifikasi bentuk perempuan (terlihat di banyak tempat pameran) di kepalanya. dengan mengambil bagian tubuh hampir ke tingkat abstraksi.

Sementara itu Miron Zownir memproyeksikan wawasan mendalam ke semua klise kota New York pada awal 1980-an dengan cara yang lebih dihapus untuk gambar mentah Larry Clark tentang kecanduan heroin di Tulsa, dan Yoshinori Mizutani yang ditugaskan secara khusus London 2016 merayakan keanekaragaman alam dari taman dan jalan-jalan London dengan cara yang mencerminkan cherry-blossom-mania yang menelan Jepang asalnya. Semua di antara fotografi klasik glamourous dari Helmut Newton, Irving Penn dan Cecil Beaton. Berkeliaran melalui pameran, pengamat biasa akan membuat banyak sekali koneksi di antara potongan-potongan dan kehilangan diri mereka dalam labirin genre dan kemungkinan sejauh itu bisa menjadi perjuangan untuk memahami semuanya.

Sementara perdagangan terletak di jantung Foto London, itu jauh dari satu-satunya elemen. Serangkaian pembicaraan selama empat hari melihat fotografer dari seluruh dunia, termasuk Nick Knight, Mary McCartney, Don McCullin, Alec Soth, Martin Parr, Edward Burtynsky dan Hannah Starkey dalam percakapan dengan sejumlah praktisi kreatif seperti David Campany, Edmund de Waal dan Hans-Ulrich Obrist. Sementara itu, pameran khusus menyoroti para seniman di beberapa ruang pameran berdedikasi Somerset House dan di seluruh situs (seperti dalam tampilan tepat waktu Wolfgang Tillmans dari poster kampanye ‘Remain’ Uni Eropa, Building Bridges, yang ditampilkan di paviliun umum).

Dikuratori oleh Multimedia Art Museum, Moskow, Photoprovocations Sergey Chilikov di Galeri Embankment Barat menunjukkan kehidupan pribadi di balik sistem pasca-Soviet pada 1990-an. Dengan teks tampilan minimal dan sedikit konteks, Chilikov menangkap dunia yang kadang-kadang aneh (taman dalam ruangan yang eksotis misalnya), ibu rumah tangga yang bosan dan pose paksa remaja canggung dalam upaya untuk memahami individu-individu dari tatanan politik yang telah menekankan pentingnya pemikiran kelompok. Dua belas Craigie Horsfield di East Embankment Galleries menekankan proses kolaborasi fotografi dan upaya untuk membawa penonton ke dalam hubungan ini, di samping teks 1994 yang diterbitkan di ArtForum dalam perjalanannya ke Cracow dan pertemuannya dengan ilustrator muda Polandia.

Sementara itu The Magic Lantern Show di Deadhouse bawah tanah Somerset House menyatukan fotografi jalanan London oleh Matt Stuart dan proyeksi kerja oleh Marina Sersale, Bredun Edwards dan The Lurkers – dengan Edwards dan Sersale menjadi terkenal karena dua dari sedikit fotografer menggunakan iPhone untuk menangkap kedekatan dari London yang menghilang begitu cepat, London dari blok menara dewan dan taman bermain kota.

Meskipun banyak praktisi saat ini menggunakan fotografi digital dalam beberapa bentuk, sebagian besar Photo London adalah perayaan objek fisik atau nuansa proses pencetakan. Dari cetakan pigmen kearsipan, cetakan gelatin perak dan c-cetakan hingga cetakan inkjet buatan tangan, karya-karya tersebut menyoroti bahwa fotografi tidak berhenti pada subjek dan komposisi. Pratinjau serial artistik duo Walter & Zoniel, The Untouched, menghidupkan kembali teknik abad kesembilan belas yang dikenal sebagai tintype, mencerminkan ini dengan potret seukuran ikon Inggris yang ditampilkan di Stamp Staircase bersama video proses seniman.

Pada saat semua orang menjadi seorang fotografer (Foto London dengan senang hati mengungkapkan bahwa 400 juta orang sekarang berbagi lebih dari 80 juta gambar online setiap hari), semakin sulit bagi para seniman untuk diperhatikan dan menonjol di antara yang lain.