Aplikasi Virtual

Tablet seperti iPad mengubah cara musik dibuat – tidak hanya bagaimana itu direkam, tetapi bagaimana itu dirilis dan dipasarkan juga. Kami melihat game-changer asli.

Pada April 2011, duo punk asal Amerika bernama The Ultramods merilis album. Itu disebut Underwear Party, dan itu adalah sepotong musik rock yang menyenangkan – menyenangkan, jika biasa-biasa saja. Tapi sementara lagu-lagu itu sendiri tidak terlalu menginspirasi, ada alasan lain untuk mencatat. Underwear Party adalah salah satu album pertama yang direkam dan diproduksi sepenuhnya pada tablet – dalam hal ini, iPad milik Apple.

Penyanyi utama kelompok itu, Bunny Ultramod, sangat antusias dengan perangkat ini: “Ini sepenuhnya buatan, sepenuhnya buatan manusia,” katanya di situs web mereka. “Namun itu menghasilkan reproduksi instrumen aktual yang kredibel. Ini adalah alat dekaden yang sempurna. ”Walaupun musik mereka mungkin tidak mutakhir, metode mereka tentu saja. Ultramod adalah ujung tajam dari sebuah gerakan yang dengan cepat mengubah cara musik dibuat. Melalui aksesibilitas mereka, komputer tablet membuka kreasi musik untuk generasi seniman yang sama sekali baru.

IPad Apple-lah yang mendominasi gerakan ini. Tablet lain seperti Blackberry Playbook dan Samsung Galaxy adalah mesin yang mampu, tetapi mereka tidak bisa menyamai Apple untuk kemudahan penggunaan dan aplikasi yang tersedia (lebih dari 400.000). Mereka juga tidak menjual sebanyak – pada bulan yang sama ketika The Ultramods merilis album mereka, Apple menyesalkan bahwa mereka “hanya” mengirim 4,69 juta unit tablet mereka. Jadi, suka atau tidak, ini adalah percakapan tentang iPad.

Kami akan kembali ke alasan perusahaan lain belum dapat membuat kemajuan dalam waktu singkat. Untuk saat ini, mari lompat cepat ke Los Angeles, tempat seorang pria bernama Hayden Bursk berada dalam aliran penuh. Dia tepat di pusat ledakan aplikasi musik iPad: sebagai direktur aplikasi seluler di Sonoma Wire Works, dia bertanggung jawab untuk mengawasi pengembangan perangkat lunak merek dagang mereka, StudioTrack. Aplikasi ini adalah studio rekaman berfitur lengkap, memungkinkan Anda untuk merekam, mengedit, mencampur dan memproses audio. Ketika datang ke pertanyaan mengapa musisi telah beradaptasi begitu mudah ke iPad, dan tablet pada umumnya, Bursk memiliki jawaban yang sangat mudah: hampir tidak pernah dimatikan.

“Ketika Anda siap untuk pergi, itu aktif,” katanya. “Ringan, mudah dibawa. Saya pikir beberapa hal yang membuatnya sangat menarik untuk internet dan email telah terbawa ke sisi kreatifnya. Kedipan atau percikan kreativitas membuat sesuatu berlalu dengan cepat. Jika Anda dapat menangkapnya, jika perangkat lunak dapat memuat dengan cepat, mudah untuk pergi, hanya di sana, itu benar-benar menarik. ”

Alex Lelievre sependapat. Pengembang juga berbasis di Los Angeles (kami tidak yakin mengapa begitu banyak pengembang aplikasi musik berlokasi di California; mungkin dekat dengan markas Cupertino Apple, mungkin) dan merupakan arsitek dari perangkat lunak musik iPad lainnya, ProRemote, dirilis untuk baik iPhone dan iPad oleh perusahaan Far Out Labs-nya. Kata Lelievre: “Bagi saya, hasil tangkapan sebenarnya adalah di komputer, Anda memerlukan mouse. Itu cobaan satu jari. Apa yang membuat perangkat lunak kami benar-benar hebat adalah Anda dapat menggunakan semua sepuluh jari. Anda tidak dapat melakukannya dengan mouse. Itulah perbedaan besar, karena menggunakan semua jari Anda adalah apa yang cenderung dilakukan musisi sepanjang waktu. ”

Dia ada benarnya di sana. ProRemote pada dasarnya mengubah iPad Anda menjadi meja pencampur remote control, yang menghubungkan dengan PC atau Mac Anda dan memungkinkan Anda menaikkan dan menurunkan fader dari seberang ruangan. Ini adalah perangkat lunak yang lebih teknis, tenang dari pada StudioTrack yang cerah dan penuh, tetapi itu masih sangat berguna – dan itu menggambarkan dengan jelas salah satu alasan utama mengapa tablet menarik bagi para musisi.

Arsitekstur sadar

Dawoud Bey (lahir 1953) adalah seorang fotografer dan pendidik Amerika yang terkenal dengan potret jalanan yang menghubungkan individu tersebut dengan komunitas yang lebih besar – yang menawarkan jalinan penting antara kondisi manusia dan tetangganya.

Dalam The Photography Workshop Series, Aperture berkolaborasi dengan seniman terkenal untuk menyaring pendekatan, pengajaran, dan wawasan kreatif mereka. Bey adalah yang berikutnya dalam koleksi publikasi ini, membahas berbagai sudut pandang etika, pribadi dan konseptual untuk menciptakan potret. Dia menyatakan: “Gagasan saya sebagian besar berpusat pada subjek manusia; Saya tertarik untuk memvisualisasikan komunitas manusia dalam berbagai konteks. Gambar orang-orang di depan kamera – yang menggambarkan semua yang telah saya lakukan selama 40 tahun, setiap gambar. ”

Publikasi ini membawa pembaca pada perjalanan visual dan informasi yang sangat menarik melalui pengajaran dan renungan Bey tentang tanggung jawab artis sebagai seorang dokumenter – “bekerja dengan permukaan” untuk membangkitkan rasa identitas yang kredibel dalam individu yang diwakili. Mendaftarkan sejumlah pengaruh utama – Richard Avedon dan Irving Penn untuk menyebutkan hanya dua – ada rasa kagum sejati pada komitmen seumur hidup dan petualangan untuk fotografi.

Ada segudang gambar seminal dan afektif untuk dibaca – menarik kembali ke tahun 1970-an dan 1980-an di Harlem, Washington DC dan New York. Anak-anak sekolah berkumpul di sudut jalan; seorang wanita di lorong menatap langsung ke kamera; pasangan di halte bersandar, nyaman, satu sama lain. Ada kontras, emosi, dan sensitivitas yang bisa dilihat di setiap belokan halaman.

Selain itu, seperti semua buku lain dalam seri Aperture, teks tersebut diperkenalkan oleh salah satu siswa Bey – Brian Ulrich – yang memberikan kesaksian positif dan optimis tentang mekanisme seni yang lebih luas. Barangkali pada saat-saat pendampingan inilah buku ini bersinar lebih terang dengan api kemungkinan, imajinasi, dan generasi gagasan. “Dawoud Bey ramah dan murah hati; ia memiliki tujuan dalam membentuk komunitas dukungan dan persahabatan antara mereka yang tertarik untuk membuat dan berbicara dengan budaya kita, dalam mengubah dan memengaruhi dunia dengan gerakan kecil dan agung. Ini melanjutkan dari karyanya, yang terus mengkalibrasi ulang pemahaman kita tentang dunia dan menunjukkan potensi dalam diri kita semua. ”

Karya Bey ditampilkan dalam banyak koleksi besar termasuk Institut Seni Chicago; Galeri Seni Nasional, Washgington, DC; Museum Seni Modern San Francisco; Museum Seni Metropolitan; dan Museum Seni Amerika Whitney, New York.

Artis mengambil Film mainstream

Terlepas dari jumlah penonton yang jauh lebih kecil daripada film biasa, film-film artis jauh lebih inovatif dan kreatif secara bebas daripada apa pun yang umumnya ditonton di bioskop, membangkitkan berbagai respons dari antipati hingga kesenangan. Untuk setiap upaya amatir yang kasar terhadap pernyataan avant-garde, film yang melibatkan, menggerakkan, dan bahkan seniman yang indah secara bertahap menjadi lebih biasa. Tolok ukur perkembangan ini datang delapan tahun lalu dengan pameran film Sam Taylor-Wood di Hayward Gallery, London; tidak peduli seberapa tidak mengesankan konten karyanya pada layar mungkin, sulit untuk tidak mengagumi standar produksinya, yang meyakinkan tentang keadaan umum pembuatan film seniman.

Film terbarunya tentang John Lennon, Nowhere Boy, menandai kepindahannya dari galeri ke bioskop, dan tidak diragukan lagi mendapat manfaat besar dari narasi yang jelas. Pembuat film-artis terkenal lainnya adalah Steve McQueen, yang karyanya yang dinamis memenangkannya Turner Prize pada tahun 1999. Dia terkenal membuat Hunger (2008), filmnya yang sangat provokatif tentang Bobby Sands.

Taylor-Wood dan McQueen mungkin adalah dua seniman Inggris paling terkenal baru-baru ini yang dikenal karena karya film mereka untuk menyeberang perbedaan besar ke dalam sinema arus utama, yaitu Holy Grail dari pencapaian budaya. Seperti bintang-bintang pop yang mendambakan keabadian seluloid, tampaknya sinema terus menarik kreatif, para kreatif yang sukses, berjuang untuk proyek kesombongan tertinggi. Tentu saja, Kutlug Ataman melakukan yang sebaliknya dan beralih dari membuat fitur film ke film artis, sehingga rute ini tidak selalu terlihat seperti perjalanan tertentu. Dan mengingat banyaknya jumlah film seniman, dari hal-hal eksperimental yang berbiaya rendah hingga keindahan sempurna dari Matthew Barney’s Cremastereries, ada banyak seniman yang bekerja di sana yang menghasilkan banyak karya yang mungkin diperuntukkan untuk pertunjukan galeri singkat sebelum menghilang. ke terlupakan budaya, dengan crossover sukses yang disebutkan di atas membuktikan pengecualian yang sangat langka untuk aturan umum. Sama seperti dua industri terbesar di Hollywood – bioskop dan porno – jurang antara film seniman dan bioskop populer tampaknya cukup luas, dan sering diasumsikan bahwa keduanya tidak akan pernah bertemu di atas landasan bersama.

Proyek The Artists ‘Cinema adalah kolaborasi antara LUX dan Independent Cinema Office; proyek ini telah menugaskan film artis baru yang akan diputar di bioskop bersama fitur utama. Pemirsa Inggris akan melihat seri terbaru mereka musim semi ini, setelah pemutaran pratinjau di Tate Modern pada 16 April. Ini mengikuti keberhasilan kolaborasi mereka sebelumnya pada tahun 2006 ketika film-film seniman yang ditugaskan serupa ditampilkan di tempat-tempat tertentu sebelum tarif populer seperti Borat, Casino Royale dan Pan’s Labyrinth, mencapai pemirsa 100.000. Sementara sosok seperti itu akan menurunkan moral industri film arus utama, ia membuka kemungkinan penonton yang sejauh ini tidak terbayangkan untuk film seniman.

Anehnya, ini mungkin bukan novel dan gerakan radikal seperti pada awalnya muncul. Catharine Des Forges, Direktur Independent Cinema Office, menjelaskan: “Sekitar 15-20 tahun yang lalu, film-film artis ditampilkan di bioskop, dan disebut film ‘eksperimental’ – mereka adalah bagian reguler dari bioskop independen, tetapi sekarang bukan kasus. Pada tahun-tahun berikutnya, pembuat film seniman telah menjadi sangat baik dalam menjangkau pemirsa baru melalui konteks seni visual atau galeri yang lebih tradisional, dan karena perubahan teknologi, kita sekarang dapat dengan mudah membuat pemirsa bioskop untuk mencoba dan terlibat dengan karya seniman. Secara tradisional, jika Anda menunjukkan film artis, mereka semua akan berada di program yang sama, dan dipasarkan ke ‘penonton artis’ dengan orang yang sama selalu datang untuk menonton mereka – itu akan sangat sulit untuk ditampilkan ke grup lain, dan apa yang kita sekarang yang ingin dilakukan adalah semacam upaya ‘gerilya’ untuk membajak audiens baru dari arus utama dan menunjukkan kepada mereka sesuatu yang berbeda. ”

Penonton yang pergi untuk melihat Borat selama musim Artists Cinema terakhir dihadapkan dengan Phil Collins ‘He Who Laughs Last Laughs Longest (2006), film yang sangat pendek tentang kompetisi tertawa, sebagai fitur pembuka. Meskipun sama sekali berbeda dengan Borat, itu secara tak terduga dan sangat menarik, membuat seluruh bioskop tertawa dan dengan demikian sangat siap dan siap untuk absurditas Sasha Baron Cohen. Dengan caranya sendiri, pasangan subversif ini membuktikan bahwa ruang antara sinema arus utama dan film seniman tidak selalu dapat diatasi.

Artistik

Pameran tunggal pertama Scarlett Hooft Graafland (lahir 1973) di Flowers Gallery, London, mengundang pemirsa ke lanskap surealis di mana beragam pilihan orang dan benda diposisikan di beberapa sudut dunia yang paling terpencil. Mulai 29 Maret, Discovery menawarkan koleksi gambar seperti mimpi yang menampilkan lebih dari satu dekade eksplorasi lingkungan dan komposisi kreatif, dari pengaturan sejauh mencapai Madagaskar, Vanuatu dan Bolivia.

Sementara pertunjukan mungkin bersifat sementara, foto-foto ini membuat pergerakan permanen dari tokoh-tokoh di topografi kuno dan tak tersentuh. Jalinan di seluruh pekerjaan adalah cerita dan kebiasaan setempat, menyoroti daya tarik Hooft Graafland dengan mitologi budaya dan daerah terpencil di bumi. Buatan ini sementara dikombinasikan dengan alam, menghasilkan konfigurasi yang fantastis. Objek yang digunakan pada dasarnya tidak aneh, namun, penggunaan warna yang dinamis, pengaturan yang berani dan penjajaran budaya mengubah yang akrab menjadi yang tidak diketahui. Menggunakan baik palet kaya pemandangan organik dan warna-warna cerah dari alat peraga, koleksi memukau mata dan menarik penonton ke dalam foto-foto yang luar biasa ini.

Discovery meneliti berbagai tema yang beragam seperti iklim yang ditangkapnya. Menyentuh kerapuhan alam, identitas dan erosi budaya tradisional, pertunjukan ini disemen dalam isu-isu global penghargaan lingkungan dan sosial. Praktisi terlibat dengan orang-orang setempat, dengan cermat membuat situasi untuk menghasilkan gambar yang ditangkap secara visual. Kesulitan yang dihadapi oleh seniman yang berbasis di Amsterdam di lokasi yang tidak ramah dan tidak ramah ini sebagian besar tersembunyi di bawah estetika minimalis.

Terlepas dari referensi Dali dan Magritte, Hooft Graafland menggunakan beragam kinerja, kerajinan patung dan fotografi, portofolio yang unik dan dinamis. Di antara pengakuan kritis yang tersebar luas, filsuf Maarten Doorman telah mengagumi fotografer untuk ini: “Dengan kamera analog dan kesabaran antropologisnya, ia merebut kembali lanskap dan peradaban singkat dari budaya visual yang acuh tak acuh.” Pernyataan ini menunjukkan integritas di jantung visi seniman, memvalidasi komitmen kepada dunia yang dia tangkap secara elegan.

Bakat pembuatan Film luar biasa

Malam terakhir BAFTA Qualifying Aesthetica Short Film Festival menyaksikan para pembuat film dan penonton film berkumpul di ruang dansa yang indah di De Gray Rooms pada hari Minggu malam untuk merayakan empat hari terakhir pemutaran film pendek internasional dan acara-acara industri. Awalnya merupakan kekacauan petugas untuk Yorkshire Hussars dan bangunan kelas II yang terdaftar, itu adalah penutup yang pas untuk sebuah festival yang terus membuka pintu gedung-gedung paling ikonik dan indah di York dan mengundang pengunjung untuk menjelajahi harta karun kota yang tersembunyi sambil memanjakan diri di beberapa pembuatan film pendek terbaik di dunia.

Itu adalah malam yang fantastis dan emosi berlari tinggi karena film-film top di setiap genre diakui dengan penghargaan. Sutradara nominasi BAFTA Michael Pearce membawa pulang hadiah untuk Thriller Terbaik dengan film sensasionalnya, Keeping Up with the Joneses yang dibintangi Maxine Peake (Silk, Shameless) dan Adeel Akhtar (Empat Singa, Sang Diktator) sementara Alan Holly memenangkan Animasi Terbaik untuk kecantikannya yang cantik film yang digambar tangan, Coda. Film Holly juga dianugerahi Festival Winner, dipilih karena komposisinya yang canggih yang menggabungkan animasi cairan dan skor yang dicapai untuk menciptakan karya yang menyentuh pada pemahaman kolektif tentang keberadaan dan keduanya penuh harapan dan penuh harap. The Wolf, the Ship, dan Little Green Bag yang berkarakter oleh Kathryn MacCorgarry Grey mencuri hati para penonton untuk memenangkan People’s Choice Award dan York Youth Vote, sebuah inisiatif baru bekerja sama dengan Film Hub North, pergi ke Phil Drinkwater dan Tim Woodall untuk resonansi dan simpatik mereka Cara Menghilang Sepenuhnya (Inggris Kreatif).

Dua helai baru untuk festival tahun ini – periklanan dan mode – menarik sejumlah entri berkualitas tinggi yang mengejutkan dan kompetisi tersebut sangat sengit dengan film-film dari merek-merek terkenal seperti Vivienne Westwood, Swarovski, Louis Vuitton, Trager Delaney, River Island dan Topshop. Alex Turvey menerima hadiah Fashion Terbaik untuk pengamatannya pada model kolektif Justanorm dengan desain oleh Joseph Turvey untuk River Island yang diproduksi oleh White Lodge, sementara Ben Marshall membawa pulang penghargaan Periklanan Terbaik untuk Proyek Direksi, sebuah eksplorasi fotografi dengan Jigsaw. Pemenang Best Experimental adalah Léthé, undangan oleh sutradara Harald Hutter untuk tersesat dan memulai dengan protagonis gelandangan untuk melupakan diri sendiri.

Film Best Artists ’dianugerahkan kepada Danilo Godoy atas karyanya yang menarik Forgotten Memories dari Akhir Dunia yang menginterogasi struktur naratif dan Robert Hackett memenangkan Video Musik Terbaik untuk lagu Night Mail oleh Public Service Broadcasting. Dengan pemandangannya yang menakjubkan dan pesona yang memukau, Herd di Islandia mengambil penghargaan untuk Film Dokumenter Terbaik, sementara Eine Gute Geschichte (A Good Story) yang elegan oleh Martin-Christopher Bode memenangkan Drama Terbaik. The Best Comedy dianugerahi kepada Benjamin Bee karena penampilannya yang gelap di dunia bawah industri penerbitan di Girl Power.

Sebagai festival internasional terkemuka, ASFF adalah duta besar budaya film di Inggris Utara dan di seluruh Inggris. Acara Meet the Film Festivals yang baru berlangsung di lingkungan Middletons Hotel yang memukau dan mempertemukan para programmer dari Raindance, Sheffield Doc / Fest, Festival Film Pendek London, Castellinaria, Festival Film Pendek & Asia, dan lebih mengarah pada kolaborasi baru dan menyediakan kesempatan bagi para pembuat film untuk bertemu dengan mereka di belakang beberapa festival film yang paling terkenal.

Dengan program-program khusus dari Arsip Film Yorkshire, Creative England iShorts, Jepang, Lebanon dan Irak tahun ini festival ini menyatukan berbagai budaya dan pengalaman sambil mempromosikan dan merayakan seni pembuatan film pendek. Edisi keempat ASFF menyambut sejumlah besar pengunjung ke kota ini termasuk beragam profesional industri, keluarga muda, penggemar film, pelajar, turis, dan banyak lagi, beberapa bepergian dari tempat yang jauh seperti Brasil, AS, Australia, dan Jepang.

Seni sebagai kehidupan

Merefleksikan karirnya pada tahun 1956, arsitek Walter Gropius menulis: “Dalam perjalanan hidup saya, saya menjadi semakin yakin bahwa praktik arsitek yang biasa untuk meringankan pola terputus-putus yang mendominasi di sana-sini oleh bangunan yang indah sangat tidak memadai dan bahwa sebaliknya, kita harus menemukan seperangkat nilai baru, yang didasarkan pada faktor-faktor pendukung seperti yang akan menghasilkan ekspresi pemikiran dan perasaan terpadu untuk zaman kita … persatuan seperti itu dapat dicapai untuk menjadi pola yang terlihat bagi demokrasi sejati. ” Visi utopis diungkapkan paling konkret selama tahun-tahun setelah Perang Dunia I 1919-1933, ketika ia merancang sekolah seni paling berpengaruh di dunia, Bauhaus. Setelah kehancuran perang, Jerman sangat perlu menilai kembali posisinya di Eropa. Gropius telah berperang dalam perang dan, alih-alih menyerah pada kekecewaan, ia menggunakan pengalaman itu untuk memicu hasratnya untuk menciptakan dunia yang lebih baik dan lebih adil. Melalui semangat idealisnya, Bauhaus menjadi buah bibir bagi modernisme minimalis dan estetika intelektual; dari Apple ke IKEA, kecenderungan gaya sekolah masih bergema dan membentuk dunia kontemporer kita.

Bauhaus: Seni sebagai Kehidupan di Barbican di London adalah pameran Bauhaus terbesar dalam 40 tahun dan menampilkan 400 karya dalam berbagai disiplin ilmu seperti arsitektur, tekstil, fotografi, patung, furnitur, lukisan, keramik, desain produk, teater, film dan desain grafis. Kate Bush, Kepala Galeri Seni, Barbican Center, menyatakan: “Bauhaus adalah kekuatan yang tak terhindarkan dalam pengembangan budaya visual modern, yang dampaknya dirasakan di seluruh dunia; itu didorong oleh idealisme dan komitmen terhadap kreativitas dan eksperimen yang tetap lebih relevan saat ini. “Karya seni ini akan dilihat dalam konteks perkembangan sekolah dari awal Ekspresionis ke penutupan paksa 14 tahun kemudian. Mempresentasikan tinjauan warisan sekolah, co-kurator Lydia Yee percaya bahwa waktu pertimbangan ulang mendalam ini sangat relevan: “Di era internet, kami berpendapat bahwa Open Source dan kolaborasi semacam ini adalah tipikal dari periode tersebut, tetapi ini semangat dan metode kerja sama telah ada sejak lama. ”Serangkaian produk budaya di seluruh spektrum seni dan desain telah dikumpulkan termasuk karya-karya teladan dari para Master Bauhaus seperti Josef dan Anni Albers, Marianne Brandt, Marcel Breuer, Walter Gropius, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Hannes Meyer, László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer dan Ludwig Mies van der Rohe.

Walter Gropius mendirikan Bauhaus sebagai bagian dari penggabungan dua sekolah seni yang ada – Sekolah Seni dan Kerajinan Grand Ducal dan Akademi Seni Rupa Weimar. Nama, secara harfiah “rumah konstruksi”, berdiri untuk School of Building dan mencerminkan latar belakang arsitektur Gropius. Setelah merancang beberapa bangunan modernis yang dipengaruhi oleh arsitek Amerika Utara, Gropius memastikan bahwa etos sekolah mengabadikan konsep bahwa bentuk harus selalu mengikuti fungsi. Memang Gropius mengklaim bahwa “Alkitab” -nya untuk membentuk Bauhaus adalah portofolio gambar Frank Lloyd Wright yang diterbitkan di Jerman pada tahun 1910, berjudul Wasmuth Portfolio. Dia juga percaya bahwa totalitas praktik artistik harus dimanfaatkan dalam upaya penggabungan fungsionalitas dengan estetika. Rekonsiliasi seni rupa ini dengan seni terapan tetap menjadi salah satu perhatian utama sekolah selama keberadaannya. Penekanan Gropius pada kerja kolaboratif sama praktisnya dengan filosofis. Karena tidak memiliki keterampilan menggambar, ia mengandalkan keahlian orang lain untuk mewujudkan desainnya sendiri, misalnya rendering Isometrik Bayer dari kantor Walter Gropius di Bauhaus, Weimar (1923). Yee menegaskan bahwa Gropius sangat cocok untuk peran ini karena “dia mengembangkan kepekaan dan keterampilannya dalam membina hubungan semacam ini, dan dia sangat spesifik tentang tipe guru yang dia inginkan di Bauhaus; dia tidak mempekerjakan siapa pun yang menurutnya akan memecah belah komunitas. ”

Bentang alam Enigmatic

Gambar-gambar sinematik dari fotografer Amerika Todd Hido (lahir 1968) sama-sama menarik dan melankolis, menggambarkan kenangan lingkungan pinggiran kota yang lenyap dari masa kecil tahun 1970-an – tempat-tempat yang tidak lagi ada dalam kenyataan.

Dari pemandangan buram yang dilihat sekilas melalui jendela mobil hingga rumah-rumah yang terlihat dari luar dan karakter perempuan misterius di kamar-kamar motel, gambar-gambar itu tampak seperti gambar-gambar aneh dari sebuah film yang dibayangkan, menyiratkan sebuah cerita yang tidak terlihat. Setiap komposisi menciptakan perasaan firasat, melibatkan imajinasi pemirsa untuk mengisi konteks naratif. Serbuan aneh ini ke dalam kehidupan sehari-hari menunjukkan hubungan kekerabatan dengan penjelajahan film surealis David Lynch; Hido memang memasukkan Alfred Hitchcock di antara pengaruhnya.

Jauh dari kisah-kisah tersembunyi kehidupan kota dan pinggiran kota, lanskap yang ditampilkan menangkap dunia tempat-tempat liminal yang tidak berpenghuni, lagi-lagi dengan mata sinematografi yang sama, ketika Hido melewati bagian selatan dan barat AS, sering kali menembus hujan dan debu di kaca depan mobil sebagai bagian dari komposisi, untuk membuat gambar jalan, bidang kosong, infrastruktur tiang telepon dan kereta api yang menjangkau jarak kosong tanpa adanya manusia.

Judul presentasi MBAL, Di Vicinity of Narrative, memahami kualitas-kualitas berbeda ini. Melihat ke belakang sepanjang karier artis, yang mencakup katalog produktif lebih dari selusin buku foto, pameran menyatukan beberapa seri, bersama dengan pemeriksaan metode kerja Hido dan, dengan melakukan itu, menawarkan narasi penghubung parsial sendiri. Galeri ini menyoroti jalur-jalur melalui badan kerja substansial ini, yang telah ditampilkan dalam majalah The New York Times, Artforum dan Vanity Fair, dan koleksi permanen Getty, Museum Seni Whitney, Museum Seni Guggenheim, Museum New York dan Smithsonian, di antara banyak lainnya.

Saat ini berbasis di Bay Area San Francisco, Hido terakhir menyelesaikan monograf pada 2013; Kutipan dari Silver Meadows lebih lanjut mengembangkan pendekatan tanda tangan menggabungkan potret, lanskap, foto-foto vintage dan dokumen untuk menyarankan narasi tersembunyi, yang hanya dilirik secara samar-samar. Secara kebetulan, Silver Meadows adalah nama jalan utama distrik tempat seniman itu tumbuh di Ohio, tempat yang sekarang lenyap dan digantikan oleh mal-mal.

Presentasi karya Hido di MBAL berjalan berdampingan dengan tiga tokoh penting lainnya dalam atau terlibat dengan fotografi kontemporer, menciptakan dialog berlapis-lapis. Mereka adalah fotografer jalanan legendaris New York Garry Winogrand, yang diwakili oleh serangkaian potret merayakan kebangkitan feminisme pada 1970-an, Thibault Brunet Prancis, yang menghadirkan dunia yang hampir virtual dalam foto-fotonya, meskipun ada yang jelas berlabuh dalam kenyataan, dan Guy Oberson, dari Swiss, yang gambarnya terinspirasi oleh dan memeriksa kembali foto-foto Diane Arbus dan Robert Mapplethorpe.

Neil Tait

Hanmi Gallery baru saja dibuka di 30 Maple Street dengan pertunjukan 11 seniman yang semuanya mengeksplorasi ide ketidakpastian. Galeri itu sendiri benar-benar dilucuti kembali, telah dikembalikan ke keadaan sebelum dipugar. Banyak galeri di sekitar London mencoba menangkap nuansa dinding bata mentah yang terbuka, tetapi banyak yang masih terlihat terlalu ‘dirancang’. Hanmi benar-benar berhasil dalam hal ini, dengan plester yang terkelupas dari dinding, papan lantai reyot, dan bau pekerjaan bangunan masih menggantung di udara. Alih-alih bertindak sebagai ruang yang dirancang secara ketat di mana karya ditempatkan, dinding dan bau galeri menyatu dengan karya sebagai semacam ruang hidup. Di mana norma di galeri adalah untuk melihat karya yang sepenuhnya selesai di dinding bercat putih, ini memunculkan pertanyaan dalam dirinya sendiri, kurasi dan tampilan, dan titik di mana pekerjaan itu sendiri selesai. Karya-karya dalam kaitannya dengan ide ini digantung pada jarak dan penempatan acak satu sama lain, hampir seolah-olah ditempatkan dalam sebuah pertunjukan yang akan didirikan.

Bekerja bersama ini, karya-karya yang ditampilkan kasar di sekitar tepi, dengan kualitas tekstur yang kuat membuat pertunjukan konglomerasi karya yang semuanya muncul sebagai satu. Keterbukaan dan kerapuhan juga dinyatakan sebagai ikatan antara semua karya yang dipamerkan, dan ini bisa dilihat di tangan mereka pada konstruksi (banyak karya menunjukkan tanda-tanda konstruksi manusia dan materialitas kasar) serta kebebasan berpikir saat ini sepanjang. Banyak fungsi sebagai karya yang sedang berjalan, memberi petunjuk pada pekerjaan mental artis saat mereka pergi daripada produk akhir dipikirkan secara ketat. Ini membantu untuk tidak mencari makna yang ditetapkan dalam setiap karya, alih-alih membiarkan mereka bertindak sebagai pemicu untuk berpikir, ‘ketidakpastian’ yang dinyatakan sebagai elemen yang memungkinkan penonton kehilangan arah dengan setiap bagian dan sampai pada kesimpulan mereka sendiri. Mayoritas seniman yang dipamerkan juga berada di awal karir mereka, pada saat ketidakpastian dan memang bergeser ide. Pekerjaan Lucy Whitford terutama sesuai dengan ruang, bekerja dengan bahan untuk melihat bagaimana mereka berfungsi dalam keadaan mentah mereka. Membawa pandangan berseni ke materi sehari-hari memungkinkan pemirsa untuk mempertimbangkan dunia dan materi di sekitar mereka dalam cahaya baru. Juga di acara itu adalah pertimbangan Katriona Beales tentang pos sinematik dan karya William Lawlor tentang kepalsuan representasi dunia alami.

Ini adalah proyek yang berani untuk diambil galeri, jauh dari konvensi penggunaan ruang dan pilihan tampilan galeri yang biasa. Tampaknya hanya memalukan bahwa ruang akan segera diperbarui dan kembali ke ruang yang dirancang lebih ketat. Di sini, berharap tangga berderit akan tetap menjadi bagian dari ruang terakhir.

Bertukar gagasan

Era digital telah mengubah dunia seni, di satu sisi mendemokrasikan produksi, manipulasi dan distribusi gambar, tetapi di sisi lain menimbulkan ketakutan dan pertanyaan baru – paling tidak bagaimana kita mengidentifikasi, menghargai, dan mengkurasi seni ketika semua orang memiliki kapasitas untuk menjadi “artis”?

Pertanyaan-pertanyaan seperti ini membentuk fokus dari Future Now Symposium 2017, yang akan mengambil pandangan luas tentang kondisi ekosistem seni saat ini dan tantangan sosial dan ekonomi yang dihadapinya, menyatukan organisasi dan praktisi di garis depan era baru ini. Ini menawarkan tempat untuk pertukaran ide, termasuk peluang dukungan dan jaringan, sementara juga menunjukkan komitmen Aesthetica untuk mempromosikan seniman yang baru muncul, melalui ulasan portofolio dengan tokoh-tokoh berpengaruh dari komunitas seni yang lebih luas. Di atas segalanya, simposium menunjukkan bahwa seni kontemporer adalah mekanisme yang memungkinkan kita untuk menanggapi pemahaman baru tentang kehidupan.

Seperti biasa, simposium akan dihadiri oleh individu dan organisasi dari seluruh dunia seni Inggris. Tahun ini yang diwakili termasuk Artangel, Dewan Seni Inggris, Festival Seni Edinburgh, Sekolah Seni Glasgow, Hiscox, Sekolah Tinggi Seni Leeds, Sekolah Tinggi Komunikasi London, Foto Magnum, Hadiah Seni Max Mara untuk Wanita, Tate Liverpool, Universitas York, Wellcome Trust, Galeri Whitechapel, Organisasi Fotografi Dunia dan Koleksi Zabludowicz.

Program luas sesi yang ditawarkan akan mencakup Kurasi untuk Pemirsa Abad 21 (Kamis 25 Mei, 10: 15-11: 30) membahas status museum modern di zaman pemotongan dana, dan ketegangan antara permintaan komersial untuk pameran blockbuster dengan daya tarik massa dan kebutuhan vital untuk mendukung bakat baru untuk memastikan masa depan seni. Sementara itu, dalam Inovasi dalam Pembuatan: Teknologi, Desain, dan Digital (Kamis 25 Mei, 10: 15-11: 30), para ahli membahas sentuhan terbaru dalam hubungan panjang seni dengan teknologi – bahwa sejumlah praktisi yang tumbuh pesat sekarang bekerja sepenuhnya dengan kode dan realitas digital daripada benda seni dalam arti fisik apa pun.

Di antara sesi pada hari Jumat 26 Mei, masa depan jurnalisme seni datang dalam diskusi (12:30 – 13:45). Penerbitan tradisional telah dibiarkan dalam posisi genting di era smartphone dan harapan yang berkembang bahwa media harus dikonsumsi secara gratis. Namun publikasi spesialis terus berkembang dalam lanskap yang dipenuhi data ini. Panel kami membahas keseimbangan antara editorial dan advertorial. Pengunjung tahun ini juga akan memiliki kesempatan untuk menghadiri pandangan pribadi artis terpilih untuk Aesthetica Art Prize 2017 di mana pemenang tahun ini akan diumumkan.

Budaya Skotlandia

Dengan pengumuman pemotongan Arts Council England (ACE) baru-baru ini dan keputusan pendanaan, pembubaran Dewan Film Inggris menjadi tiga pusat regional di Birmingham, Manchester dan Bristol, lokasi praktik artistik telah menjadi bagian dari perdebatan. Menyusul dalam debat ini, Galeri Nasional, Edinburgh menjadi tuan rumah simposium kedua AHM untuk membahas peran budaya saat ini di Skotlandia. Hari itu melihat koleksi 200 profesional industri dan siswa berkumpul di bawah tema artis jauh dari rumah.

Hari dibuka dengan 9 manifesto individu yang dibacakan oleh koleksi siswa, lulusan baru dan kolektif seniman yang membantu mengatur adegan untuk diskusi hari itu. Menyusul ini pidato video oleh jurnalis dan sejarawan Neal Ascherson membahas perubahan yang ia perhatikan dalam lanskap budaya Skotlandia, dengan sejarah Skotlandia memainkan peran penting dalam hal ini dan membahas pemukiman Skotlandia-Polandia yang perlahan-lahan kehilangan semua hubungannya dengan warisan budaya, seperti akhir yang aneh dari Darien Venture. Setelah ini datang presentasi masam Douglas Gordon, dengan keheningan yang memanjang, di mana ia menunjukkan sampel karyanya 24 Hour Psycho (1993) dan sebuah karya yang mengakui diri sendiri di mana seorang jurnalis Amerika berusaha melacaknya untuk wawancara setelah nominasi Turner Prize-nya. kembali pada tahun 1996. Penampilan Gordon sebagai pembicara menambahkan melalui riang gembira dan sehari-hari dengan tema Skotlandia kembali dari luar negeri. Meskipun pembicara berikutnya, pernyataan Thomas Lawson: “Saya seorang seniman terkemuka; kebangsaan adalah yang kedua, ”adalah alternatif jalan tengah.

Lawson, sebagai seorang seniman yang lahir di Glasgow, adalah kasus yang cocok dari orang yang merasa tertarik pada seni pada tahun 1970-an tetapi tidak menemukan rasa kebersamaan dalam adegan Glasgow dan dengan demikian pindah ke New York. Salah satu pernyataan kunci yang ia buat, dan yang disetujui oleh pembicara berikutnya Jim Mooney, adalah bahwa para seniman tertarik pada tempat-tempat komunitas dan dukungan dan, meskipun itu tidak tersedia pada saat tahun 70-an, Sandy Moffat, sebagai Ketua untuk acara ini, mengedepankan gagasan bahwa komunitas itu pasti lebih terlihat hari ini di Glasgow dan Edinburgh (terutama karena penyelenggara AHM sejarah masa lalu dari kolektif kolektif dan galeri seperti The New 57 Gallery di Edinburgh).

Dengan subjek karya awalnya setelah tiba di Amerika, orang Amerika merasa karya-karyanya terlalu lokal dalam kualitas Scot-centric mereka dan dia mengakui mereka kemudian melebar menjadi media massa gambar Amerika / Universal. Meskipun sebagai pembelaan ia menyatakan: “Lokasi lokal adalah target yang bergerak dan provinsi tidak pernah ditetapkan.” Dari pengalamannya sendiri sekarang mengajar di CalArt di Amerika, ia juga telah menemukan bahwa LA sebagai pinggiran untuk inti NY. selalu berusaha untuk memenuhi standar yang ditetapkan oleh ‘basis’ seni mereka. Ini adalah perbandingan yang menarik untuk terhubung ke London dan seluruh lembaga pinggiran di Inggris. Mungkinkah dinyatakan bahwa seni Inggris selalu berusaha mengejar standar yang ditetapkan oleh London? Dia mengakhiri dengan komentar-komentar tentang sekolah-sekolah LA yang tidak menggunakan debat kritis dan membuka usaha webnya sendiri di Kalimantan Timur untuk membantu memfasilitasi hal ini, menambahkan bahwa sebagai seorang guru dia telah memahami aspek kesukuan yang dapat berhubungan dengan penilaian dunia seni dari dunia seni. seni: siswa membuat karya – bawakan untuk kritik kelompok – pekerjaan dibahas, diperdebatkan, diperdebatkan dan selama beberapa minggu dan bulan konsensus dibangun berdasarkan apakah pekerjaan itu berhasil atau tidak.