Cara kita hidu sekarang

Jika Anda berjalan menyusuri jalan hari ini dan melihat melalui jendela-jendela rumah, Anda akan menyaksikan berbagai ruang hidup: pemilik rumah saat ini sibuk dengan desain dan pengaturan dunia di sekitar mereka. Majalah yang tak terhitung jumlahnya – Elle Decoration, World of Interiors, Wallpaper * dan Domus – menumbuhkan visi aspirasi rumah, sementara ratusan buku memastikan kemakmurannya, acara televisi memicu daya tarik populer, dan sejumlah besar program desain memastikan gelombang masuk yang luas dari berbagai magang bermata siap untuk setiap kesempatan untuk mempengaruhi bentuk hal-hal di sekitar kita. Kami telah menyadari peralatan makan kami, tempat tidur kami, bahkan pesan di balik font pada CV kami, dalam kenyataan hiper-kesadaran dan fetishisasi taktil dari sehari-hari.

Namun, hal ini tidak selalu terjadi: bagi mereka yang hidup di tahun 1940-an, konsep desain rumah tangga belum dapat diakses secara universal dan akibatnya mode rumah tangga cenderung tenang dan tidak imajinatif. Namun, sejak tahun 1950-an, publik Inggris telah terpapar oleh pengaruh Sir Terence Conran, yang, lebih dari perancang Inggris lainnya, memengaruhi perubahan kesadaran nasional ini. Sejak keluar dari kursus Desain Tekstil di Central School of Art, Sir Terence telah membuka lokakarya dengan Sir Eduardo Paolozzi (mantan tutornya), bekerja di The Festival of Britain, membangun sebuah kerajaan restoran, meluncurkan kelompok Desain Conran, memperkenalkan furnitur paket datar dan desain Eropa melalui Habitat, mengawasi kerajaan jalanan tinggi (termasuk Heals, BHS dan Next), bekerja secara luas dengan Concorde, membuka praktik arsitektur, mendirikan Conran Foundation, dan menciptakan London’s Design Museum, yang pertama dari baik di dunia.

Ini adalah Museum Desain yang menjadi tuan rumah The Way We Live Now, pameran saat ini yang merayakan ulang tahun Conran yang ke-80 dan peran sentralnya dalam membentuk kesadaran desain nasional. Membawa pengunjung melalui karier Conran yang termasyhur, termasuk karya-karya dari lokakarya awalnya, penciptaan kembali ruang Habitat awal dan wawasan tentang desain industri dan restorannya, ini adalah proyek ambisius yang dikuratori oleh Direktur Museum Desain, Deyan Sudjic dan jangka panjang Conran. kolega dan kolaborator Stafford Cliff. Sejak bergabung dengan studio Conran sebagai Office Junior pada tahun 1966, Cliff telah belajar dari dan mengagumi Conran dari dekat, merancang katalog Habitat pertama dan berkolaborasi pada publikasi Inspirasi Conran 2008, di mana ia memberikan katalog mental karya yang sangat berharga atas nama perancang yang memiliki sederhana menolak untuk menyimpan arsip dari karyanya sendiri.

Kasih sayang Cliff untuk Conran dan karyanya terbukti dan antusiasmenya menular dalam memaksa Anda untuk mempertimbangkan efek yang Conran miliki terhadap estetika kami. Dia menggambarkan tugas mengatur pameran pada sosok besar dalam desain Inggris sebagai sesuatu yang “luar biasa” dan kemudian menggambarkan pengaruh Sir Terence sebagai “sangat mendasar [karena] bukan hanya rumah kita tetapi perilaku kita, belanja dan makan kita kebiasaan, cara kita bersosialisasi, tempat yang kita sukai, dan bagaimana kita menanggapinya. Dalam masa hidupnya dia telah mengubah semua itu, tentu saja tidak sendirian, tetapi dengan memberi kita hal-hal yang kita tidak tahu kita inginkan. “Cliff tidak dapat mengartikulasikan cukup efek yang Conran miliki terhadap lingkungan kita. “Lihatlah semua program yang kami miliki di makeover rumah. Siapa sangka? Pada 1960-an, 1950-an, dan bahkan lebih jauh dari itu, rumah itu bukan sesuatu yang ada banyak majalah tentang dan tentu saja hampir tidak ada buku tentang desain interior, dekorasi atau gaya hidup. Ketika saya mulai, jika ada buku baru tentang desain rumah dan interior, saya akan membelinya dan mungkin akan ada dua tahun jika kami beruntung. Sekarang Anda tidak mungkin membeli semuanya. Ini adalah industri yang sangat besar dengan minat yang sangat besar dan telah menangkap imajinasi orang-orang dengan cara yang tidak mungkin telah diantisipasi. “

Diluar Fotografi mode

Untuk setiap fashionista, Rankin membutuhkan sedikit pengenalan. Namanya telah menjadi identik dengan dunia fashion tinggi yang jenuh diri, berkilau, dan penuh citra. Sepanjang tahun 1990-an, Rankin dan “style bible” yang diproklamirkan dirinya sendiri, Dazed and Confused, datang untuk mendefinisikan generasi melalui kepercayaan dan kepribadian yang kurang ajar dari Brit Pop, YBAs dan Cool Britannia. Kate Moss, Oasis, Bingung dan Bingung, Tony Blair, bahkan Ratu, bergabung di bawah lensa Rankin untuk menyulap mistik London sebagai tempat yang akan dikunjungi. Pada masa-masa awal pemerintahan Buruh yang memabukkan, Rankin berada dalam elemennya, menyatukan dunia mode, musik, seni, dan politik dengan kepercayaan diri yang tak tergoyahkan.

Ketika kilau Cool Britannia memudar dengan cepat, potret Rankin mempertahankan kualitas bintangnya. Bersama Mario Testino, Rankin adalah salah satu dari beberapa fotografer yang telah menyatukan dunia mode dan budaya populer dan daftar kredit fotonya berbunyi seperti siapa yang ada di sini dan sekarang. Dalam banyak hal Anda berharap dia menjadi klise, yang hanya disebut oleh moniker yang ditunjuknya, fotografer fesyen baru-baru ini menikah dengan model, tetapi begitu ia akhirnya dilacak, Rankin adalah pembicara yang ramah, ramah, dan menarik. Dia akan dengan mudah mengalihkan pada tangen 15 menit – liris lilin tentang reaksi publik terhadap seri telanjang laki-lakinya dan menyimpang ke dalam demonisasi penis: “Bagaimana ini terjadi? Bagaimana saya bisa berbicara tentang ini? ”

Hari ini Rankin tetap menjadi nama yang disegani di industri fashion, dan seorang komentator budaya melalui kesediaannya untuk membuka pekerjaan dalam industri tersebut ke pandangan publik. Rankin Live melihatnya menjadi retrospektif pertama dari karir penuhnya, mencakup fashion, budaya populer, royalti, erotika, pekerjaan pribadi dan amal di Truman Brewery, London. Karya-karya yang dipamerkan menunjukkan bakatnya dalam menangkap subjek dan menjalankan keseluruhan emosi – Tony Blair terlihat hampir layu, tertindas, dan dibayangi oleh warna abu-abu dari kejatuhan yang sangat umum, sang Ratu gemerlap dalam kebesaran, hampir menjadi penjaga karikatur plastisin yang berdiri di atas appliqu Union Jack, potret selebriti adalah wawasan tentang etos kerja yang riang dan imajinatif. Rankin bermain dengan persepsi publik tentang rakyatnya, memaksimalkan konsepsi umum kita atau membalikkan mereka sepenuhnya – Robert Downey Jr bermain-main dengan tuba besar, Mary-Kate dan Ashley Olsen adalah peri halus, Grace Jones adalah sosok manga monokromatik yang disiram dengan warna merah, Sienna Miller adalah pahlawan Hitchcock, Hugh Grant adalah lothario yang ramah tamah dan Justin Timberlake adalah koboi mainan kitsch.

Foto-foto tersebut merupakan kolaborasi antara fotografer dan subjek. “Saya mendasarkan karir saya pada tidak sepenuhnya memegang kendali, sebagai orang yang kreatif, saya merasa lebih menarik.” Orang di depan lensa adalah inti dari foto, dan Rankin adalah opini profesional yang menemukan sisi terbaik mereka , tetapi mereka bekerja menuju citra bersama: “Banyak orang ingin saya memberi tahu mereka apa yang terlihat baik dan memberi mereka pendapat saya, ada harapan saya sebagai seorang fotografer.” Rankin adalah binatang langka, seorang fotografer fesyen yang terpesona oleh dunia di sekitarnya, tetapi dengan susah payah menyadari kedangkalannya, kekosongan di balik lapisan, kurangnya relevansinya dengan “dunia nyata”. “Saya tidak ingin menjadi fotografer fesyen dangkal bodoh yang tidak melakukan apa pun selain mengambil foto-foto indah, harus ada lebih dari itu.” Proyek untuk Oxfam dan Women’s Aid mengangkatnya menjauh dari fokus ini, tetapi dia tidak tertarik untuk berkhotbah: “Saya pikir kebanyakan orang melakukannya karena mereka merasa bahwa jika Anda cukup beruntung untuk menjalani kehidupan, melakukan pekerjaan impian Anda, dalam pernikahan impian Anda, Anda merasa seperti Anda harus mengembalikan sesuatu.” dia mengubah mode di atas kepalanya. Kampanye mode adalah tentang penjualan ide, gaya hidup yang terkait dengan merek, dengan kemewahan, dengan jenis orang yang akan membawa tas ini, atau mengenakan pakaian dalam ini. Alokasi ini terbalik untuk menciptakan kesan seseorang yang akan mendukung tujuan: “Anda akhirnya menjual ide dengan foto-foto Anda, ide memberikan uang untuk mendukung amal, atau waktu untuk mendukung amal, saya kira Anda bisa mengatakan itu adalah hati nurani saya.”

Shoot Me Rankin melengkapi elemen kedua Rankin Live dan mencakup interaktivitas dan keterbukaan abad ke-21. “Saya cukup demokratis, saya selalu terbuka untuk orang-orang yang melihat karya saya.” Fotografi digital memungkinkan pameran menjadi seketika dengan cara yang telah kita terbiasa. Tidak ada yang menunggu apa-apa lagi dan pameran melibatkan penonton saat itu terjadi: “Ini hampir seperti pertunjukan karena Anda dapat melihat pemotretan saat itu terjadi, Anda dapat memproyeksikannya ke layar besar dan itu sangat luar biasa, sangat cepat, sangat segera.

Diana Scheunemann

Diana Scheunemann diminta untuk kampanye iklan dan editorial yang tak terhitung jumlahnya, serta potret selebriti, yang telah membuat beberapa orang memandangnya sebagai Rankin perempuan. Dalam prolog bukunya yang baru, Freedom in Flashes, Rankin berkata, “Saya suka karya Diana, jika saya perempuan, saya akan mengambil gambar seperti miliknya.” Karya-karyanya yang paling menarik adalah penggambaran kehidupan pribadinya, dan ia tetap mempertahankannya. keintiman yang tak tertandingi dengan rakyatnya mengatakan: “Pekerjaan saya sangat otobiografi.” Membangun hubungan dan memiliki pengetahuan yang mendalam tentang rakyatnya memungkinkannya untuk mengeksplorasi berbagai kemungkinan; terkadang tragis, tetapi seringkali membangkitkan semangat dan gambar komik muncul. Keakraban Scheunemann dengan subyeknya didirikan pada usia dini: “Saya ingat dengan jelas gambar pertama yang pernah saya ambil tentang ibu saya di kamar mandi ketika saya berusia delapan tahun.”

Dia adalah penulis tiga buku, Ambiseksual (2001) dan Diana Scheunemann (2005). Publikasi terbaru Scheunemann, Freedom in Flashes, yang terbit 15 November 2007, adalah koleksi yang menggugah pikiran dan memikat yang memancarkan gaya. Membuat Wales tampil tropis dan eksotis, Scheunemann mengambil seluruh koleksi di lokasi. Keempat model yang ditampilkan di seluruh koleksi, berkembang dengan energi dan kenikmatan tanpa henti yang dibawa Scheunemann ke sebagian besar karyanya. PJ Norman mengatakan dalam kata pengantar buku; “Pengalaman itu mengaburkan batas antara fantasi dan kenyataan, di mana setiap foto menjadi jendela ke dunia abadi Neverland dan pikiran indah Diana Scheunemann.”

Cita-cita utama Scheunemann dalam Freedom in Flashes adalah menciptakan kembali: “Dunia indah yang ideal di mana mereka tidak memiliki masalah.” Fotografinya sering mencerminkan keinginannya untuk menjelajahi batas-batas gender dan keintiman. Dia sadar bahwa dinamika ini adalah bagian integral dari perkembangan individu: “Erotisme adalah bagian besar dari kehidupan – itulah sebabnya kita di sini di tempat pertama.” Meskipun citra yang penuh gairah tumbuh subur dalam fotografinya, ia dengan segar disajikan dengan yang tidak berbahaya gaya. Freedom in Flashes menghadirkan pandangan sekilas tentang seksualitas muda yang murni kepada pemirsa, melalui pendekatan lidah-ke-pipi yang menyenangkan untuk genre yang sering diekspos secara berlebihan.

Freedom in Flashes dirancang untuk menggambarkan fantasi pelarian dari kesenangan masa lalu. “Semakin tua Anda, semakin banyak tanggung jawab yang Anda miliki. Ini adalah dunia yang idealis – ketika Anda muda, hidup ini bebas, tentu saja masih ada masalah, tetapi masalahnya tidak lazim. ”Mengambil foto teman dalam situasi intim memungkinkan hubungan yang lebih dalam dan membangun kepercayaan yang sudah ada. dengan seseorang yang signifikan dalam hidup Anda. Scheunemann antusias: “Ketelanjangan adalah pengalaman yang membebaskan, Anda bisa merasa seperti anak kecil lagi.”

Gaya spontan Scheunemann menghasilkan pandangan idilis yang luar biasa, yang menunjukkan keterampilan dan pengalamannya dari dunia fotografi mode yang sempurna. Mengutipnya “Eksotis dan, kadang-kadang, gaya hidup ekstrem” sebagai pengaruh untuk karyanya, bakat Scheunemann untuk fotografi berkembang secara alami: “Saya tidak ingat pernah ingin melakukan hal lain.”

Gaya merek dagang Scheunemann menciptakan suasana yang santai dan profesional. Citra erotis selalu hadir dalam karya Scheunemann, namun sifat utopis dari Freedom in Flashes mengingatkan penonton bahwa itu adalah representasi ideal dari seksualitas muda. Seperti yang dicatat Stuart Phillips dari AND Production, “gambar-gambar Diana Scheunemann menangkap sikap muda eksperimental yang segar, tidak bersalah. Gambarnya yang bersemangat, menyenangkan, ‘melakukan apa yang Anda inginkan’ membuat saya merindukan musim panas yang lebih lama dengan teman-teman. Diana memiliki bakat luar biasa untuk menjadikan kamera bagian dari percakapan, lelucon, permainan di masa depan, jadi kenikmatan Anda lebih terlibat daripada voyeuristik. ”

Dimensi Kultur

Sebuah retrospektif besar menawarkan kepada audiens suatu pemahaman yang belum pernah terjadi sebelumnya tentang seorang seniman yang visinya telah dibentuk oleh dunia kontemporer yang semakin cepat.

Pada usia enam tahun, fotografer Amerika Stephen Shore (lahir 1947) mulai mengembangkan negatif orang tuanya. Dia diberi kamera pada pukul sembilan, dan pada saat ia berusia 14 tahun, ia sedang menelepon Direktur Departemen Fotografi MoMA, Edward Steichen, mengusulkan karyanya untuk koleksi tersebut. Steichen membeli tiga gambar. Namun, itu tidak berakhir di sana: seorang biasa di Andy Warhol’s Factory pada usia 17, Shore mendokumentasikan berbagai karakter yang sering mengunjungi studio, dengan cepat menjadikan dirinya sebagai salah satu fotografer muda paling terkenal yang bekerja di New York City. Keberhasilan awal ini bisa membuatnya dalam situasi yang berbahaya, tetapi keajaiban dari praktiknya terletak pada upaya terus-menerus untuk menginterogasi cara-cara baru dalam memandang.

Keinginan untuk berkembang secara pribadi dan profesional ini memberikan dasar bagi pameran paling komprehensif hingga saat ini. Dikuratori oleh Quentin Bajac dan Kristen Gaylord, acara ini merentang mulai dari awal Americana, hingga buku cetak sesuai permintaan, dan akhirnya, hingga keterlibatan dengan platform media sosial terbaru. Itu juga bukan kebetulan bahwa Bajac adalah bagian dari pertunjukan yang unik dan menakjubkan ini, setelah ditunjuk sebagai Joel dan Anne Ehrenkranz Kepala Kurator Departemen Fotografi di Museum Seni Modern pada Januari 2013, setelah menghabiskan sembilan tahun di Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne, di mana ia mengkurasi berbagai pertunjukan fotografi modern dan kontemporer.

Bajac benar-benar percaya pada tempat gambar sebagai metode untuk pembaruan, untuk ekspansi, dan untuk regenerasi, sesuatu yang menjadi inti retrospektif raksasa ini: “Shore terus menciptakan kembali dirinya sendiri. Dia selalu tertarik dengan cara-cara baru, populer, dan demokratis dalam menghasilkan gambar. Di masa lalu ini berarti bekerja dengan snapshot, tetapi hari ini, ini termasuk terlibat dengan Instagram. Saya sangat tertarik dengan ini; dia tidak pernah mencoba untuk berpegang pada satu gaya. Mengingat semua seniman dari generasinya, inilah alasan dia adalah salah satu yang paling menarik. ”

Rasa haus akan inovasi seperti itu dapat dilihat dari keseluruhan karya-karyanya. Shore merevolusi banyak hal, tetapi untuk menggunakan fotografi warna pada saat tidak ada orang lain yang dikenalnya. Hitam dan putih adalah de rigeur pada tahun 1970-an, karena pada saat itu menggunakan warna penuh dipandang sebagai hal yang vulgar dan biasa. Shore, menikmati modernitas, mengadopsi genre baru sebagai miliknya, menggunakannya dalam semua kemampuan yang lincah. Usahanya diakui oleh akademisi pada saat itu, dengan retrospektif di Metropolitan Museum of Modern Art, New York, pada tahun 1971. Pameran ini jauh dari kesuksesan kritis, tetapi itu mengatur panggung untuk eksplorasi lebih lanjut ke media; dia memulai perjalanan lintas negara di Amerika Serikat tahun berikutnya. Foto-foto yang dihasilkan dari segelas susu bersama sepiring panekuk dan bacon yang terlihat di Grand Canyon, New Mexico, (1972) membingkai ulang pemandangan yang disajikan dengan indah melalui mata Walker Evans dan Paul Strand, seniman-seniman yang diidentifikasi oleh Shore dan terinspirasi oleh.

Penting untuk dicatat bahwa bahkan dalam karya-karya inovatif ini – yang sering dianggap abadi untuk kompleksitas nada dan komposisi mereka – menawarkan lensa ke dunia seperti dulu. Demikian pula, tanpa penjajaran antara idealisasi dan kenyataan, gambar menangkap jalan dan trotoar dengan mempertahankan sikap tidak bias, alih-alih lebih memilih subyektivitas flourneur. Wawasan ke dalam kuantum berlanjut hingga ikon Uncommon Places (1982), sebuah seri yang memandang geografi sebagai titik engsel untuk interaksi manusia. Bajac menyatakan: “Uncommon Places adalah tentang lanskap kota; representasi arsitektur mengekspresikan kekuatan-kekuatan tertentu – politik, sosial dan estetika – yang berperan dalam budaya kita. ”

Sangat mudah untuk melihat bagaimana seri ini berkembang menjadi ikonografi luas. Sebagai contoh, Aperture Foundation baru-baru ini menerbitkan ulang beberapa di antaranya di Stephen Shore: Selected Works 1973-1981, menyerukan pengantar dari berbagai tokoh budaya terkenal termasuk Wes Anderson dan David Campany. Namun, gambar dari era ini sering dipandang dengan rasa nostalgia (sebagai lawan dari inovasi), sebuah istilah yang ingin tercermin oleh kurasi. “Saya tidak ingin pameran hanya berfokus pada tahun 1970-an – meskipun akan ada bagian utama dari pertunjukan yang akan dikhususkan untuk era itu – tetapi saya juga ingin menunjukkan beberapa karya terbaru. Ada sekitar 50 buah dari Uncommon Places, tetapi itu juga tujuan saya untuk memasukkan seri yang terhubung secara tidak langsung dengannya. Sebagai contoh, saya menunjukkan beberapa karya teleskopik dari tahun 1974 dan 1975. Saya juga memperkenalkan beberapa editorial dan komisi yang dilakukan Shore pada saat yang sama yang juga berhubungan dengan pengertian bahasa Amerika. “

Dualisme Relasional

sebelum tidur di akhir cinta (deskripsi lagu pengantar tidur) adalah opera kontemporer yang dirancang oleh Sarah Hardie, yang dilakukan di Bold Tendencies di London pada 27 September. Komisi besar kedua di Inggris, opera melanjutkan minat Hardie pada dualisme relasional: diri dan yang lain, pembaca dan pendongeng, dalam dan luar, sebagaimana diwakili oleh suara manusia. Dilakukan di tempat parkir mobil bertingkat saat matahari terbenam, banyak suara yang sebentar-sebentar tenggelam oleh keributan kereta dan lalu lintas London yang dapat didengar. Ruang kota yang mencolok, ruang angkasa, yang menjadi tuan rumah bagi paduan suara opera adalah perpanjangan sempurna dari investigasi Hardie terhadap oposisi, pertemuan yang terputus.

Ketika mereka muncul di panggung, ada perbedaan yang jelas antara Hardie dan ansambelnya. Terdiri dari delapan penyanyi, mereka adalah satu entitas, berpakaian abu-abu terhadap Hardie yang hitam pekat. Hardie bertindak sebagai master boneka jarak jauh, memimpin penyanyi melalui suara dan gerakan. Saat dia berjalan mundur, mereka mengayun-ayunkan kakinya, seolah bersiap untuk bertarung. Ketika dia berjalan maju, mereka berjalan mundur, bergoyang lagi karena kebingungan. Suara Hardie keluar dalam ledakan pendek dan tajam, mendorong mereka untuk beraksi. Ketika mereka bergerak melintasi ruang, suara-suara mereka berkembang biak, pada titik-titik yang saling bertarung dan pada orang lain terakumulasi dalam kesesuaian.

Gerakan ansambel bersifat disengaja dan tidak masuk akal. Mereka terus-menerus melingkari, pergi, kembali, membentuk garis, mengelompokkan kembali dan menelan satu sama lain. Mereka berkerumun di sekitar Hardie, membentuk lingkaran intim; sebuah lengan diangkat ke udara untuk menandakan kesunyian. Tampaknya ada sesuatu yang dikomunikasikan dan mereka bubar, suara mereka tiba-tiba mendesak. Pada akar dari tindakan mereka, Hardie adalah konstanta – baik sebagai magnet dan penolak. Selalu dalam jarak dekat tetapi tidak pernah menyentuh, tarian mereka memainkan pola-pola miskomunikasi dan respons.

Dalam dikotomi Hardie, ansambel adalah “yang lain” yang bertentangan dengan dirinya, dimulai sebagai kekasih, diterjemahkan menjadi kegagalan, dan akhirnya digantikan oleh teman ‘nyaring’. Dalam formasi ini, suara menjadi representatif dari istilah “diri sendiri” – psikoanalis Jacques Lacan untuk mendefinisikan keberadaan, di dalam diri, dari “benda asing”; apa yang eksternal bagi individu tetapi dengan yang diidentifikasi. Karena itu, tubuh eksternal ini, seperti sang kekasih, berada di luar dan di dalam, bagian dari diri dan tidak bergantung padanya.

Sementara para kekasih / teman-teman mengartikulasikan pola metaforis mereka melalui suara nyanyian, kata libretto yang diucapkan direkam oleh Hardie dan saudara kembarnya, aktris Angela Hardie, berasal dari pembicara besar, yang membingkai ruang pertunjukan. Teks sebuah opera, sebuah libretto, secara tradisional dinyanyikan. Alih-alih, Hardie adalah narasi teoretis yang diucapkan, menyertai tulisan-tulisan psikoanalitik Donald W. Winnicott, Roland Barthes dan Friedrich Nietzsche. Menyesuaikan kembali teks-teks ini, dan memanfaatkan biner biologis, si kembar memperkenalkan hubungan antitesis baru: “A Storyteller” dan “A Reader.”

The “Storyteller” menceritakan kisah yang terpecah-pecah, di antaranya adalah karya bersama Barthes ‘A Lover’s Discourse dan Nietzche’s Thus Spoke Zarathustra. Teks ini menjadi kerangka kerja di mana penyanyi itu ada, ketika mereka memerankan narasi yang diciptakannya: ‘dalam kesendirian mereka yang hidup sendiri tidak berbicara terlalu keras atau menulis terlalu keras karena mereka takut gema hampa – kritik nymph, Echo . Dan semua suara terdengar berbeda dalam kesunyian. ‘Sebagai tanggapan,’ Pembaca ‘adalah penjumlahan dari beberapa suara ini: “(Artikulasi libido menghasilkan suara.) Cinta membuat kita berbicara.”

Ketika kekasih kontemporer gagal, teman itu mengambil tempat mereka. Di sini, Hardie menyamakan teman itu dengan pemahaman Barthes tentang ‘nyanyian’: ‘Teman itu mengulangi Anda – teman bicara yang sempurna memungkinkan untuk gema. Tidak ada di luar. Anda tidak akan pernah didengar oleh kekasih – dan teman itu adalah diri Anda sendiri. ‘Dalam kesempurnaan, teman itu tidak lain adalah refleksi. Berujung pada realisasi ini, ansambel Hardie menyebar, meninggalkannya sendirian dalam lagu.

 

Wacana seputar opera Hardie padat, tetapi penyampaiannya sederhana. Dia menggunakan suara itu sebagai ruang simultan untuk cinta dan pelarian delusi dari kesendirian. Seperti sebelum tidur di akhir cinta (deskripsi lagu pengantar tidur) dimainkan, pola hubungan intim, transisi dan kegagalan secara bertahap muncul. Kekasih mungkin gagal, tetapi diri itu konstan.

Ekspansi Budaya

Bangunan Centro Botín Fundación Botín yang baru merupakan kombinasi yang menarik antara keagungan dan kehalusan. Diperkirakan akan menempatkan Santander di peta seni seperti yang dilakukan Guggenheim untuk Bilbao, tetangganya, arsitek terkenal Renzo Piano – pencipta Shard di London, Pompidou Center di Paris, Museum Whitney di New York, dan banyak lainnya – diharapkan menjadi lembaga budaya yang tak ternilai untuk kota dan Spanyol.

Meskipun demikian, proyek ini bukannya tanpa kontroversi. Satu kritik pada tahap awal pengembangan adalah bahwa setiap bangunan di pelabuhan kota akan mengaburkan pemandangan laut yang menakjubkan yang dinikmati oleh penduduk lokal dan turis. Sesuai dengan selera Piano untuk menciptakan bangunan yang menarik dari dan melengkapi lingkungan lokal mereka – seperti dengan Pusat Budaya Jean-Marie Tjibaou di Kaledonia Baru – solusinya adalah merancang bangunan yang tidak hanya mempertahankan visibilitas lingkungan sekitarnya, tetapi menjadi bagian dari itu.

Oleh karena itu, dua volume bundar struktur diangkat pada pilar, secara bersamaan menyediakan tempat berlindung yang tersedia untuk umum, dan pandangan yang utuh, bahkan ditingkatkan, dari pemandangan laut dan pegunungan yang jauh. Seperti itulah cuaca di bagian Spanyol ini sehingga awan dan kabut sering mengaburkan pandangan menjadi hampir seragam, meskipun mencolok, berwarna abu-abu, dan ini tercermin dalam warna netral bangunan, tetapi lebih tepatnya di 380.000 ubin keramik yang menutupi permukaannya. Masing-masing cakram pearlescent ini secara halus mencerminkan kualitas cahaya di sekitarnya, melunakkan kontras antara kota di satu sisi dan laut di sisi lainnya.

Bentuk bangunan ini memadukan mediasi antara pemandangan kota dan alam. Piano telah menciptakan kembali sesuatu dari estetika exo-skeletal yang dia dan Richard Rogers dirintis dengan pusat Pompidou dengan menghubungkan kedua bangunan dengan tangga industri dan balkon yang mentah, termasuk yang mengarah ke atap bangunan. Namun, volume lengkung yang merupakan sebagian besar ruang yang dapat digunakan bangunan tidak dapat disangkal organik; ditutupi dengan sisik keramik, mereka memberi kesan dua ikan bermulut lebar melompat dari teluk. Lengkungan ini juga memiliki tujuan fungsional. Saat meninggikan bangunan di atas tanah, bayangan tentu saja dibuat. Piano tertarik pada ruang di bawah struktur – di mana pemandangan dibingkai dan dilengkapi dengan deretan ubin berkilauan – untuk menjadi sosial, dan melengkung tepi bangunan melembutkan penumbra-nya, membuka ruang sebanyak mungkin untuk cahaya alami dan penggunaan sosial. .

Ini akan untuk kehalusan dan integrasi samping, bangunan itu tetap mengesankan. Tidak masalah posisi dari mana ia dilihat – termasuk dari taman Pereda yang bersejarah yang telah diperluas dari 20.000 m2 menjadi 48.000 m2 sebagai bagian dari proyek – sulit untuk mendapatkan perspektif total, dan ini sesuai dengan harapan kami. Skala bangunan tampak bergeser secara dramatis ketika dilihat dari sudut yang berbeda, dari petite dan piscine ke lunar dan menjulang, dan berdiri di bawahnya kadang-kadang mengingat cerita dari Cosmicomiche oleh Italo Calvino – seorang rekan senegaranya dan inspirasi untuk Piano – tempat bulan mengapung tetapi sedikit jauh di atas bumi yang masih muda, menarik ikan dengan berbagai ukuran berdasarkan gravitasinya.

Centro Botín berusaha untuk tidak memaksakan lanskap fisik Santander, tetapi akan berbuat banyak untuk budayanya. Dua ruang galeri besar, dengan jendela besar ke laut, menarik dari dan memberikan kontrol atas cahaya alami untuk meningkatkan karya yang dipamerkan, tetapi juga dapat dipartisi untuk melindungi potongan yang lebih rapuh, seperti gambar oleh Goya yang merupakan salah satu dari pameran pembukaan. Pusat ini juga berniat untuk terlibat dengan komunitas seni lokal dan internasional, dan akan menyediakan lokakarya rutin seperti yang baru-baru ini dengan seniman Jerman Carsten Höller, yang karya-karyanya yang menggugah pikiran membentuk pertunjukan lain di mana pusat dibuka. Ada juga sebuah auditorium, restoran, toko, dan layar lebar di samping gedung untuk tontonan publik, yang semuanya diharapkan akan melihat Centro Botín memenuhi tujuannya bukan hanya sebagai pusat budaya, tetapi juga kreativitas dan publik yang baik. -makhluk.

Empat jalan Baltic

Seorang mahasiswa Paul McCarthy, Jason Rhoades (1965-2006) tinggal dan bekerja di Los Angeles dan membangun apa yang ia klaim sebagai patung terbesar di dunia di Deichtorhallen di Hamburg, Jerman pada tahun 1999, dan memiliki instalasi besar di Venice Biennale ke-52 di 2007. Terlepas dari pencapaian ini, pematung tidak memiliki pameran besar Inggris di masa hidupnya – setelah meninggal pada 2006 pada usia 41. Perayaan BALTIC yang akan datang dari karya seniman dalam empat jalur interpretatif akan menjadi pertunjukan skala besar pertama Rhoades di Britania.

Pengaruh Rhoades beragam; mengutip tokoh-tokoh seperti Marcel Duchamp, Donald Judd, pembalap Formula 1 Ayrton Senna, aktor Kevin Costner, dan bahkan film Car Wash telah mempengaruhi lingkungannya yang luas dan hidup. Oleh karena itu, untuk memahami karyanya, pameran ini dibagi menjadi: ‘Jason Rhoades, Artis Amerika’; ‘Jason the Mason, (utas biografi yang dinamai sesuai dengan karakter buku anak-anak favorit)’; ‘Sistem (bahasa, skala, pengindeksan, ekonomi)’, dan ‘Tabu’. Dalam memanfaatkan bagian-bagian ini, pameran ini bertujuan untuk memetakan dan secara logis memahami beragam instalasi seniman dan menawarkan titik masuk yang dapat diterima ke dalam sebuah karya labirin yang dianggapnya sebagai satu proyek menyeluruh.

Di dalam area-area ini, pameran ini akan ditambatkan oleh instalasi besar dari seluruh karier artis, termasuk Renovasi Garasi New York (Cherry Makita), 1993; Mitos Penciptaan, 1998; dan Sutter’s Mill, 2000. Instalasi spektakuler yang berlebihan ini dibuat dengan benda-benda yang ditemukan, neon, Lego, alat-alat listrik, kabel yang berliku-liku, patung-patung, dan berbagai macam bahan lainnya dan dengan segera menarik perhatian, diisi dengan humor, semangat dan semangat. keberanian provokatif visinya.

Selain memamerkan karya-karya bombastisnya, organisasi Four Roads yang cermat bertujuan untuk menunjukkan bagaimana kerja Rhoades membutuhkan keterlibatan yang lebih dekat karena tumpukan barang yang acak dan semrawut berubah menjadi sistem yang bermakna, metaforis, dan fungsional berubah menjadi refleksi. Mitos Penciptaan misalnya, terdiri dari ratusan benda – melipat meja perjamuan, ember, kertas robek, balok kayu, peralatan kantor dan furnitur, monitor video, mesin asap – ternyata merupakan model otak seniman yang sangat dikerjakan bekerja dengan bagian untuk akumulasi pengetahuan, pemrosesan memori dan alam bawah sadar.

Estetika Berkembang

Dalam Sejarah Protes yang Tidak Lengkap, Whitney Museum, New York, mengeksplorasi koleksi dan arsipnya dengan fokus pada aktivisme dan politik. Dalam karya para seniman yang dilibatkan secara sosial, seni adalah proses dengan kekuatan untuk melakukan perubahan langsung dan tidak langsung di dunia. Rentang tanggal yang luas dari acara ini memungkinkan munculnya beragam pilihan keprihatinan global, termasuk protes terhadap Perang Vietnam, seperti dalam karya Nancy Spero dan Edward Kleinholz, protes yang ditujukan pada tanggapan pemerintah terhadap krisis AIDS, seperti dalam karya AA Bronson, General Idea, dan Felix Gonzalez-Torres.

Beberapa karya yang paling mengejutkan ada di untai berjudul Spaces and Predicaments, di mana patung-patung karya Melvin Edwards dan Senga Nengudi menyarankan pendekatan yang lebih liris, penuh teka-teki, dan difus untuk mengeksplorasi protes dalam seni. Nengudi’s Internal I (1977), yang menciptakan ruang penuh harapan dan tampaknya menggambarkan pohon kehidupan, ditampilkan di galeri untuk pertama kalinya. Sejarah seni feminis juga terikat dengan estetika protes yang berkembang, dan ini diwakili dalam karya seniman termasuk Gerilya Gadis, Howardena Pindell, Martha Rosler, dan Mierle Laderman Ukeles. “Sejak didirikan pada awal abad ke-20, Whitney telah berfungsi sebagai forum untuk seni dan ide-ide paling mendesak saat itu, terkadang menarik protes,” kata Scott Rothkopf, Wakil Direktur untuk Program Whitney dan Nancy dan Steve Crown Kurator Kepala Keluarga. “Dari pertanyaan perwakilan hingga memperjuangkan hak-hak sipil, Sejarah Protes yang Tidak Lengkap mengedepankan isu-isu yang masih menghasut protes hingga saat ini. Akar dari pameran ini adalah keyakinan bahwa para seniman memainkan peran besar dalam mengubah waktu mereka dan membentuk masa depan. ”

Judul pertunjukan memiliki resonansi ekstra dalam terang kerusuhan baru-baru ini di Charlottesville. Pameran ini melihat cara-cara di mana para seniman merespons kekerasan yang dirasialisasikan, melalui karya-karya Hock E Aye Vi Edgar Heap of Birds, Carl Pope, Pat Ward Williams. Karya-karya yang konfrontatif dan kuat ini sangat relevan untuk memahami konteks kontemporer dari ras dan kekerasan di AS. Seniman lain yang termasuk adalah Mark Bradford, Paul Chan, Larry Clark, On Kawara, Glenn Ligon, Julie Mehretu, Toyo Miyatake, Senga Nengudi, Gordon Parks, Ad Reinhardt, Martha Rosler, dan Kara Walker. Aspek yang menguatkan dari pameran ini adalah keragaman pendekatan yang diambil oleh para seniman untuk membuat karya yang transformatif dan mengubah dunia.

Festival Film pendek

Aesthetica Short Film Festival (ASFF) dengan senang hati mengumumkan bahwa ia sekarang menjadi festival yang diakui BAFTA, sebuah pencapaian yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk sebuah festival di tahun keempat. Penghargaan terbaru ini merupakan bukti kreativitas dan pemrograman ASFF yang berani, yang kini telah memantapkan dirinya sebagai pemain yang dinamis di sirkuit festival film.

Akreditasi BAFTA mendukung pembuat film yang dipilih untuk Seleksi Resmi ASFF 2014, yang akan mendapat manfaat signifikan dari publisitas yang diciptakannya. Cherie Federico, Direktur ASFF, berkomentar: “Pembuat film yang bersaing di festival kualifikasi BAFTA seperti ASFF sedang mengekspos film mereka kepada komite BAFTA, yang sebaliknya tidak akan berada dalam posisi untuk mempertimbangkan pekerjaan mereka. Kami merasa terhormat untuk menerima pengakuan ini, yang mendukung tujuan kami untuk memperjuangkan film pendek yang luar biasa, menjadi tujuan utama untuk menemukan bakat segar dan untuk membina para profesional film yang muncul saat ini. ”

Saat ASFF memasuki tahun keempatnya, pemrograman sedang berlangsung untuk membawa penonton banyak pilihan film dari seluruh dunia, dalam genre termasuk iklan, animasi, film seniman, komedi, dokumenter, drama, eksperimental, mode, video musik dan film thriller sebagai serta untai ramah keluarga. Tempat pemutaran film berlokasi di seluruh Kota York dan mencakup aula abad pertengahan, bar gastro, galeri seni, dan bioskop, memungkinkan penonton untuk menciptakan pengalaman menonton unik mereka sendiri.

Seri masterclass tahun ini menyajikan wawasan tentang bagian-bagian penting pembuatan film seperti pendanaan, pengeditan dan produksi dengan perwakilan dari organisasi film terkemuka termasuk BAFTA, Asosiasi Operator Kamera, BlinkInk, Indiegogo, Double Negative, Ridley Scott Associates, Channel 4 dan Beggars Group antara lain .

Pembicara Masterclass juga termasuk Sutradara dan Penulis Skenario Biyi Bandele (Setengah Matahari Kuning); Kritikus Film Anna Smith (BBC, Empire, Time Out, Sight & Sound, Guardian), dan Pembuat Film Fashion Kathryn Ferguson (Chloe, Selfridges dan Lady Gaga). Masterclass ini terbuka untuk para pembuat film yang bercita-cita tinggi dan mereka yang hanya menyukai film.

Akan ada beberapa peluang untuk jejaring industri dan kesempatan untuk bertemu programmer dari seluruh Inggris dan dunia di acara Meet the Film Festivals kami. Terima kiat terbaik tentang cara membuat film Anda diperhatikan oleh perwakilan dari festival besar termasuk Raindance, Berwick Film dan Festival Seni Media, Festival Film Bradford, Festival Perkotaan Inggris, Festival Film Cabriolet, Festival Film Internasional Edinburgh, Pertemuan, Festival Film London, Sheffield Doc Festival Film Pendek dan Fest & Pendek.

Acara Meet the Filmmakers yang populer di ASFF menawarkan tempat bagi semua peserta ASFF untuk bertemu dengan beberapa seniman yang karyanya berada di jantung ASFF 2014. Ada juga pemutaran khusus dari Internationale Kurzfilmtage Winterthur (Swiss), Clermont-Ferrand (Prancis) dan Kreatif IShorts Inggris, serta negara-negara tamu ASFF: Jepang, Irak dan Lebanon – sebuah karya film dari seluruh dunia yang mendorong genre film pendek ke depan.

Foto London,Habitat yang sedang berkembang

Foto London edisi keempat menyajikan penggabungan investigasi global seputar lansekap dan identitas sambil mementaskan masa lalu, sekarang, dan masa depan media eksperimental yang mendominasi budaya visual. 22 seniman yang muncul dan banyak galeri, termasuk Almanaque, kota Meksiko, dan Kana Kawanishi, Tokyo, ditempatkan di samping perintis yang sangat berpengaruh dari genre yang selalu berubah, termasuk William Henry Fox Talbot (1800-1877) yang dikreditkan sebagai salah satu yang pertama individu untuk mengembangkan asal-usul proses kimia, Somerset House, London, menggelar kronologi yang menyoroti momen-momen pencerahan besar, seputar fungsi dan estetika fotografi dan video.

101 galeri dari 18 negara hadir, mengeksplorasi berbagai tema visual termasuk perhatian Edward Burtynsky (b.1955, Galeri Bunga): dampak aktivitas manusia di planet ini. Mengkritik tindakan manusia yang seringkali sia-sia yang mengacaukan bumi, sang seniman adalah Master of Photography tahun ini dan dirayakan melalui presentasi menyeluruh dari berbagai bidikan foto udara yang membentuk gagasan baru tentang apa yang dapat dikomentari oleh fotografi lanskap.

Fotografer memaparkan adegan paralel yang sering tidak dikenal antara fenomena alam dan kemanusiaan abadi; Jalan raya yang berliku meniru arteri sungai besar sementara blok apartemen menciptakan pola baru di permukaan bumi, mengubah definisi dari apa yang sebelumnya tampak alami. Di luar mengungkapkan tanda yang tak terhindarkan dari populasi saat ini, Burtynsky menyimpulkan pada catatan peringatan, yaitu dalam seri terbarunya, Antropocene yang jarang dilihat, judul zaman geologis saat ini. Melalui urbanisasi, polusi massal, dan menipisnya sumber daya, sang seniman menyatakan bahwa “sekarang spesies kita memiliki efek yang serupa [dengan bencana alam sebelumnya] – kita setara dengan dampak meteor.”

Dalam nada yang sama, Unwavering Visions # 3, pengalaman multi-media yang interaktif, menggabungkan lebih dari 5000 karya fotografi dan menggelar kolaborasi Alan Govenar, Jean-Michel Sanchez dan Julien Roger ketika mereka membedah perubahan sosial. Memanfaatkan Pusat Fotografi Internasional, New York, arsip yang luas, karya ini menggali rincian peristiwa bersejarah yang memengaruhi jalannya perkembangan sosial. Menggabungkan dua pameran, sejarah manusia yang relatif kecil ditempatkan di samping besarnya planet ini, mempertanyakan bagaimana fotografi mungkin telah memposisikan dirinya sebagai pengekspos moral untuk pandangan yang hilang ini.